martes, 15 de diciembre de 2009
sábado, 12 de diciembre de 2009
martes, 17 de noviembre de 2009
miércoles, 28 de octubre de 2009
martes, 13 de octubre de 2009
DICCIONARIO
DANCE
Es el estilo musical destinado para el baile, es por lo general cantado y melódico con una velocidad que abarca los 120 y 140 BPM. Es considerado como el sentido comercial de la música electrónica.
DANCEFLOOR
Traducido como pista de baile.
DARKSIDE
Vertiente del jungle que adquiere sonidos oscuros y depresivos, tiene como soporte un bajo obsesivo y samplers de filmes de terror.
DECIBEL (db)
Unidad de medición de la amplitud o intensidad sonora.
DEEP HOUSE
Corresponde a la vertiente más cálida y profunda del house muy próxima al soul, proviene principalmente de los sonidos disco de los 70´s. En New York su denominación es Garage.
DELAY
Aparato reproductor de efectos sonoros como eco, flanger, rever, etc. Estos efectos se consiguen mediante el retardo de la señal sonora.
DIGITAL
El término de grabación digital se contrasta de la grabación analógica, que funciona capturando la información de una manera continua variable. Tal como las líneas telefónicas que trabajan bajo este mismo principio, la digital al contrario, porque incorpora números binarios (1 y 0).
DISCJOCKEY (Dj - Deejay)
Su traducción al español sería pinchadiscos y es la persona encargada de darle vida a una fiesta por medio del arte de pinchar discos o mezclarlos. También denominado gurú de la música o alma de cada fiesta.
DISCO
El estilo de música madre de todo panorama dance actual. Hedonista y bailable surgido a mediados de la década de los 70 en Munich como evolución sintética del soul y el rhythm & blues. Sus más destacados exponentes en aquella época fueron Village People, Donna Summer, Sylvester, KC & the sunshine band, etc. Vinilo. CD. DVD.
DISCO DE ORO
Disco que se concede como premio a una grabación por su cantidad de copias vendidas. Estas cantidades varían según cada país, en Chile son 15.000 copias vendidas.
DISCO DE PLATINO
De mayor importancia que el disco de oro, también se le otorga a la grabación de un disco por la cantidad de copias vendidas, en Chile son 20.000 copias vendidas.
DISCO HOUSE
Música que se crea como tributo al estilo madre del dance: el disco, por medio de la reactualización de su legado. Abanderados por N-Trance y Phatt & Small.
DJ SPEAKER
Pinchadiscos y animador por micrófono.
DJ VERSION
Versión de un tema o disco en el cual se anulan las voces del solista dejando solamente los coros y los instrumentos.
DOLBY SYSTEM
Sistema que se incorpora en los aparatos de grabación y reproducción de cintas magnetofónicas y que reduce el ruido o soplo de fondo en una grabación, codificando al grabar y decodificando al reproducir.
DOUET
Consiste en poner 2 discos en tiempos diferentes, principalmente se traslada a 2 o 4 beats del compás 4/4 del disco. Este efecto se utiliza para conseguir repeticiones en directo.
DOWNTEMPO
Traducción de tempo bajo. Término nacido de los ingleses para encasillar a los ritmos electrónicos más experimentales y relajantes, provenientes del trip-hop, ambient y post-rock.
DREAM (Italo Dance)
Traducción de sueño. Corriente europea muy melódica con pianos y guitarras en primer plano. Nace bajo la influencia italiana del músico Robert Miles y su tema "Children", los sonidos de Jean Michel Jarre y el paso por el new age y el trance. Hoy por hoy, sus exponentes de renombre son: Ago (ex Gigi D´Agostino), Roland Brant y Nylon Moon, entre otros.
DRUM & BASS
Tambores y bajos. Derivación minimalista y experimental del jungle sin conexiones con el Raggamuffin y el breackbeat-techno, que fueron la base inicial del jungle.
DRUM BOX
Elemento electrónico del cual se puede obtener una batería o una percusión artificial.
DUB
Inicialmente basado en ecos, bajos profundos y samplers provenientes del reggae de Jamaica. Posteriormente se ha convertido en una técnica muy utilizada para la elaboración de remezclas para los estilos house, techno, ambient y jungle.
DUB MIX
Versión especial de un tema en la cual es fundamental el sonido instrumental de éste, acompañado de algunos sonidos de voces con ecos hipnóticos que aparecen sólo esporádicamente.
DUBPLATE
Vinilo exclusivo no puesto a la venta que utilizan algunos artistas o Dj´s. Existen Dj´s que los utilizan en sus propias sesiones, un ejemplo claro lo podemos apreciar en el video "Sandstorm" de Darude, donde el Dj se luce con un dubplate bañado en oro.
Es el estilo musical destinado para el baile, es por lo general cantado y melódico con una velocidad que abarca los 120 y 140 BPM. Es considerado como el sentido comercial de la música electrónica.
DANCEFLOOR
Traducido como pista de baile.
DARKSIDE
Vertiente del jungle que adquiere sonidos oscuros y depresivos, tiene como soporte un bajo obsesivo y samplers de filmes de terror.
DECIBEL (db)
Unidad de medición de la amplitud o intensidad sonora.
DEEP HOUSE
Corresponde a la vertiente más cálida y profunda del house muy próxima al soul, proviene principalmente de los sonidos disco de los 70´s. En New York su denominación es Garage.
DELAY
Aparato reproductor de efectos sonoros como eco, flanger, rever, etc. Estos efectos se consiguen mediante el retardo de la señal sonora.
DIGITAL
El término de grabación digital se contrasta de la grabación analógica, que funciona capturando la información de una manera continua variable. Tal como las líneas telefónicas que trabajan bajo este mismo principio, la digital al contrario, porque incorpora números binarios (1 y 0).
DISCJOCKEY (Dj - Deejay)
Su traducción al español sería pinchadiscos y es la persona encargada de darle vida a una fiesta por medio del arte de pinchar discos o mezclarlos. También denominado gurú de la música o alma de cada fiesta.
DISCO
El estilo de música madre de todo panorama dance actual. Hedonista y bailable surgido a mediados de la década de los 70 en Munich como evolución sintética del soul y el rhythm & blues. Sus más destacados exponentes en aquella época fueron Village People, Donna Summer, Sylvester, KC & the sunshine band, etc. Vinilo. CD. DVD.
DISCO DE ORO
Disco que se concede como premio a una grabación por su cantidad de copias vendidas. Estas cantidades varían según cada país, en Chile son 15.000 copias vendidas.
DISCO DE PLATINO
De mayor importancia que el disco de oro, también se le otorga a la grabación de un disco por la cantidad de copias vendidas, en Chile son 20.000 copias vendidas.
DISCO HOUSE
Música que se crea como tributo al estilo madre del dance: el disco, por medio de la reactualización de su legado. Abanderados por N-Trance y Phatt & Small.
DJ SPEAKER
Pinchadiscos y animador por micrófono.
DJ VERSION
Versión de un tema o disco en el cual se anulan las voces del solista dejando solamente los coros y los instrumentos.
DOLBY SYSTEM
Sistema que se incorpora en los aparatos de grabación y reproducción de cintas magnetofónicas y que reduce el ruido o soplo de fondo en una grabación, codificando al grabar y decodificando al reproducir.
DOUET
Consiste en poner 2 discos en tiempos diferentes, principalmente se traslada a 2 o 4 beats del compás 4/4 del disco. Este efecto se utiliza para conseguir repeticiones en directo.
DOWNTEMPO
Traducción de tempo bajo. Término nacido de los ingleses para encasillar a los ritmos electrónicos más experimentales y relajantes, provenientes del trip-hop, ambient y post-rock.
DREAM (Italo Dance)
Traducción de sueño. Corriente europea muy melódica con pianos y guitarras en primer plano. Nace bajo la influencia italiana del músico Robert Miles y su tema "Children", los sonidos de Jean Michel Jarre y el paso por el new age y el trance. Hoy por hoy, sus exponentes de renombre son: Ago (ex Gigi D´Agostino), Roland Brant y Nylon Moon, entre otros.
DRUM & BASS
Tambores y bajos. Derivación minimalista y experimental del jungle sin conexiones con el Raggamuffin y el breackbeat-techno, que fueron la base inicial del jungle.
DRUM BOX
Elemento electrónico del cual se puede obtener una batería o una percusión artificial.
DUB
Inicialmente basado en ecos, bajos profundos y samplers provenientes del reggae de Jamaica. Posteriormente se ha convertido en una técnica muy utilizada para la elaboración de remezclas para los estilos house, techno, ambient y jungle.
DUB MIX
Versión especial de un tema en la cual es fundamental el sonido instrumental de éste, acompañado de algunos sonidos de voces con ecos hipnóticos que aparecen sólo esporádicamente.
DUBPLATE
Vinilo exclusivo no puesto a la venta que utilizan algunos artistas o Dj´s. Existen Dj´s que los utilizan en sus propias sesiones, un ejemplo claro lo podemos apreciar en el video "Sandstorm" de Darude, donde el Dj se luce con un dubplate bañado en oro.
TRUCOS DJ
Scratch
El scratch es una técnica que consiste en mover el vinilo alante y atrás, generando diferentes sonidos de la aguja contra el disco. Se ejecuta empujando el disco hacia alante y hacia atrás aunque, en algunos casos no es necesario empujar y basta con dejar que el disco suene durante una pequeña fracción de tiempo.
Algunos scratchs:
Baby: El más simple, movimientos del disco alante y atrás.
Forward: Se deja sonar el disco un instante, se corta el sonido y se retrocede al principio del sonido.
Rub: El movimiento (de avance o de retroceso) se ralentiza, como si se frenara.
Stab o Chop: Es similar al forward, se empuja hacia alante, se corta al sonido y se retrocede al principio.
Chirp: Durante el movimiento hacia alante, el sonido es gradualmente cortado según se acerca al final. Cuando se inicia el movimiento hacia atrás, el volumen se sube.
Scribble: Este truco se realiza moviendo el vinilo con los músculos del brazo tensos y así provocando que el disco se mueva atrás y alante de forma muy rápida en un recorrido muy corto.
Tear: Consiste en tres movimientos, uno hacia alante y dos hacia atrás cuando se retrocede al principio.
Transform: El sonido empieza apagado, despues se conecta y desconecta de forma intermitente durante su reproducción. El sonido acaba apagado.
Hydroplane: Mientras se empuja el disco en alguna dirección, aplicar una ligera presión a la superficie del disco frotando suavemente con un dedo de la otra mano en contra de la dirección del empuje.
Flare: El concepto es el de un transform inverso. En vez de comenzar con el sonido apagado, la rutina de encendido/apagado, comienza con el volumen subido (conocido como "clicking").
Dentro de las técnicas avanzadas de scratch, se encuentran estas dos últimas:
Twiddle: Un estilo fulgurante en el que se utilizan los dedos corazón e índice para, alternamente, mover el fader entre los dos.
Crab: Un flare a cuatro toques, ejecutado golpeando con los dedos el fader en orden de meñique a índice para encender el sonido, mientras el dedo gordo aplica presión inversa para cortarlo.
El beat-juggling o manipulacióm de ritmos
Otro de los estilos utilizados por los turntablist es el beat-juggling. Esta técnica se ejecuta con dos discos de los que se manipulan sus componentes (bombos, cajas, notas, ...) para crear una nueva composición rítmica.
Trucos más habituales:
Loop o Backspin: Es el clásico truco del 1-2. Consiste en tener dos discos iguales, localizados en el mismo corte y reproducir uno. Cuando termina el break de ese, se cambia el fader para reproducir el otro mientras se retrocede el anterior. Cuando el 2º break termina, se vuelve a cruzar el fader para volver a empezar.
Breakdown: Una reducción manual del ritmo, parando rítmicamente el disco a cada golpe del ritmo.
Fill: Mientras se reproduce uno de los discos, se tiene en el otro un elemento de sonido (bombo, caja,...) que se intercambia con otro similar del primero. Se suele introducir cada compás. Así se puede, por ejemplo, doblar o triplicar la caja, etc...
Strobe: Esto requiere dos discos en un break reproduciéndose silmutáneamente. Uno de los discos sonará un paso adelantado al otro (normalmente un par de octavas) y el que lo ejecute, alternará el sonido de las dos fuentes.
Double-Click: Se usa para introducir elementos a doble tiempo en una composición. Se reproducen dos discos silmutáneamente, uno de ellos con un pequeño desfase, y se alterna rápidamente la reproducción entre ambos con el crossfader.
El scratch es una técnica que consiste en mover el vinilo alante y atrás, generando diferentes sonidos de la aguja contra el disco. Se ejecuta empujando el disco hacia alante y hacia atrás aunque, en algunos casos no es necesario empujar y basta con dejar que el disco suene durante una pequeña fracción de tiempo.
Algunos scratchs:
Baby: El más simple, movimientos del disco alante y atrás.
Forward: Se deja sonar el disco un instante, se corta el sonido y se retrocede al principio del sonido.
Rub: El movimiento (de avance o de retroceso) se ralentiza, como si se frenara.
Stab o Chop: Es similar al forward, se empuja hacia alante, se corta al sonido y se retrocede al principio.
Chirp: Durante el movimiento hacia alante, el sonido es gradualmente cortado según se acerca al final. Cuando se inicia el movimiento hacia atrás, el volumen se sube.
Scribble: Este truco se realiza moviendo el vinilo con los músculos del brazo tensos y así provocando que el disco se mueva atrás y alante de forma muy rápida en un recorrido muy corto.
Tear: Consiste en tres movimientos, uno hacia alante y dos hacia atrás cuando se retrocede al principio.
Transform: El sonido empieza apagado, despues se conecta y desconecta de forma intermitente durante su reproducción. El sonido acaba apagado.
Hydroplane: Mientras se empuja el disco en alguna dirección, aplicar una ligera presión a la superficie del disco frotando suavemente con un dedo de la otra mano en contra de la dirección del empuje.
Flare: El concepto es el de un transform inverso. En vez de comenzar con el sonido apagado, la rutina de encendido/apagado, comienza con el volumen subido (conocido como "clicking").
Dentro de las técnicas avanzadas de scratch, se encuentran estas dos últimas:
Twiddle: Un estilo fulgurante en el que se utilizan los dedos corazón e índice para, alternamente, mover el fader entre los dos.
Crab: Un flare a cuatro toques, ejecutado golpeando con los dedos el fader en orden de meñique a índice para encender el sonido, mientras el dedo gordo aplica presión inversa para cortarlo.
El beat-juggling o manipulacióm de ritmos
Otro de los estilos utilizados por los turntablist es el beat-juggling. Esta técnica se ejecuta con dos discos de los que se manipulan sus componentes (bombos, cajas, notas, ...) para crear una nueva composición rítmica.
Trucos más habituales:
Loop o Backspin: Es el clásico truco del 1-2. Consiste en tener dos discos iguales, localizados en el mismo corte y reproducir uno. Cuando termina el break de ese, se cambia el fader para reproducir el otro mientras se retrocede el anterior. Cuando el 2º break termina, se vuelve a cruzar el fader para volver a empezar.
Breakdown: Una reducción manual del ritmo, parando rítmicamente el disco a cada golpe del ritmo.
Fill: Mientras se reproduce uno de los discos, se tiene en el otro un elemento de sonido (bombo, caja,...) que se intercambia con otro similar del primero. Se suele introducir cada compás. Así se puede, por ejemplo, doblar o triplicar la caja, etc...
Strobe: Esto requiere dos discos en un break reproduciéndose silmutáneamente. Uno de los discos sonará un paso adelantado al otro (normalmente un par de octavas) y el que lo ejecute, alternará el sonido de las dos fuentes.
Double-Click: Se usa para introducir elementos a doble tiempo en una composición. Se reproducen dos discos silmutáneamente, uno de ellos con un pequeño desfase, y se alterna rápidamente la reproducción entre ambos con el crossfader.
QUE ES SER DJ ¿?
Muchos "-instruídos" piensan que un DJ es simplemente
un Monta discos y que lo único que hace es cruzar un tema y otro....
Un DJ es mucho más que eso... aquí revelamos las características y dones que debe poseer un " DJ."
El arte de Mezclar y compilar música en vivo o DJiing se ha convertido en algo sumamente cotizado, valorado y apreciado en el mundo entero, los DJs han sustituido a los músicos en vivo siendo ahora ellos el punto focal del evento. Este fenómeno ha llegado tan lejos que DJ´s como Tiesto de Holanda o Paul Oakenfold de Inglaterra llegan a cubrir honorarios de 50.000 $US o más por tocar un set. y se llevan a cabo fiestas con 100.000 a 500.000 personas bailando al ritmo de DJ´s.(por ejm. el Love Parade de Berlín, Street Parade en Suiza, Cream Fields de Inglaterra y otros en Holanda, Buenos Aires, Cali, Rio, etc.)
Debemos reconocer que en último tiempo hubo un boom de los DJ's en todo el planeta, seguramente por el status que da a una persona ser DJ, algo así como el alma de la fiesta, quien decide lo que todos van a bailar en la discoteca o reunión.
Por esta razón han aparecido un sin número de Nuevos DJ's, que tienen mucho talento y sobretodo ganas, restando solo un poco de orientación, no desmerecemos el esfuerzo que muchos realizan para ser Disc Jockeys, pero todo tiene su lugar y hay que saber empezar de una manera humilde, creciendo solo con el reconocimiento del publico y otros DJ´s, es simple tener unos discos y decir que uno es DJ, lo dificil es cumplir con todos los requisitos que se precisa para ser llamado un VERDADERO DJ.
El Disc Jockey es como un director de orquesta; la cual se podría componer de dos a cuatro tornamesas ( o Cd players), una mixer y eventualmente un sampler o un sintetizador.
Los instrumentos son los discos de vinyl o cd´s que llevan las melodias y los sonidos y es responsabilidad del DJ hacer que estos engranen sicronizadamente.
rnamesas ( o Cd players), una mixer y eventualmente un sampler o un sintetizador.
Los instrumentos son los discos de vinyl o cd´s que llevan las melodias y los sonidos y es responsabilidad del DJ hacer que estos engranen sicronizadamente.
También hay que diferenciar los tipos de DJ que existen:
Club DJ; Que toca en Discotecas o Clubes
Radio DJ; Su nombre lo dice todo
Mobil DJ; O DJ de ampiflicación
Bedroom DJ; DJ de Dormitorio o Casa
Un verdadero Dj debe poseer una serie de cualidades naturales y conocimientos técnicos que resumimos a continuación:
Música; Un DJ es una autoridad en música, debe estar informado y actualizado acerca de los artistas, albumes, títulos, bpm, generos, etc .
Talento natural y oído musical; capacidad para diferenciar las cadencias y dinámicas armónicas de cada canción, para lograr una programación que no tenga altibajos ni fallas de compaginación rítmica o de género, ( a no ser que sea un DJ ecléctico, que combina estilos y corrientes musicales diferentes como en un poupurri).
Técnica; Conocimientos avanzados para el uso y manipulación de los equipos, conexiones, equalización, uso de recursos y efectos, samplers, mixers, decks, crossovers, poderes, micrófonos,sintetizadores, groovebox, etc
Creatividad; Para innovar estilos de mezclas y cambios, ubicando los segmentos ideales de cada tema para poder mezclar y cambiar de canción sin que el oyente lo note y/o pierda el ritmo.
Buen gusto; para seleccionar debidamente los temas a incluir en su set de manera que sigan secuencias ascendentes y/o descendentes, agradables, bailables, pegajosas, motivando reacciones de euforia, alegría y diversión en el público.
Psicología; para captar la energía de la concurrencia, cambiando si es necesario, su programación para crear un efecto específico en el público y fans obteniendo el ambiente adecuado según la ocasión.
Capacidad de improvización y eliminación del Ego; en vista que el DJ no toca para él, sino para el público, se debe a quienes van a escucharlo y si es necesario debe cambiar sus secuencias.
Teoría musical básica; lo más posible acerca de la teoría musical, compazes, tempos, etc.
Uso del micrófono y educación de la voz; un Dj realmente completo es capaz de animar a la concurrencia con solo una frase dicha en el momento propicio, haciendo un pequeño rap sobre algún tema o creando efectos con su propia voz.
Cualquiera que crea que un DJ solo pone o cruza discos, lo dice porque nunca lo ha hecho y aunque no requiere de un título universitario o conocimiento científico, si requiere de un desarrollado gusto musical, criterio y técnica, que hacen del mismo un protagonista central de cada fiesta o rave que se realize donde quiera.
un Monta discos y que lo único que hace es cruzar un tema y otro....
Un DJ es mucho más que eso... aquí revelamos las características y dones que debe poseer un " DJ."
El arte de Mezclar y compilar música en vivo o DJiing se ha convertido en algo sumamente cotizado, valorado y apreciado en el mundo entero, los DJs han sustituido a los músicos en vivo siendo ahora ellos el punto focal del evento. Este fenómeno ha llegado tan lejos que DJ´s como Tiesto de Holanda o Paul Oakenfold de Inglaterra llegan a cubrir honorarios de 50.000 $US o más por tocar un set. y se llevan a cabo fiestas con 100.000 a 500.000 personas bailando al ritmo de DJ´s.(por ejm. el Love Parade de Berlín, Street Parade en Suiza, Cream Fields de Inglaterra y otros en Holanda, Buenos Aires, Cali, Rio, etc.)
Debemos reconocer que en último tiempo hubo un boom de los DJ's en todo el planeta, seguramente por el status que da a una persona ser DJ, algo así como el alma de la fiesta, quien decide lo que todos van a bailar en la discoteca o reunión.
Por esta razón han aparecido un sin número de Nuevos DJ's, que tienen mucho talento y sobretodo ganas, restando solo un poco de orientación, no desmerecemos el esfuerzo que muchos realizan para ser Disc Jockeys, pero todo tiene su lugar y hay que saber empezar de una manera humilde, creciendo solo con el reconocimiento del publico y otros DJ´s, es simple tener unos discos y decir que uno es DJ, lo dificil es cumplir con todos los requisitos que se precisa para ser llamado un VERDADERO DJ.
El Disc Jockey es como un director de orquesta; la cual se podría componer de dos a cuatro tornamesas ( o Cd players), una mixer y eventualmente un sampler o un sintetizador.
Los instrumentos son los discos de vinyl o cd´s que llevan las melodias y los sonidos y es responsabilidad del DJ hacer que estos engranen sicronizadamente.
rnamesas ( o Cd players), una mixer y eventualmente un sampler o un sintetizador.
Los instrumentos son los discos de vinyl o cd´s que llevan las melodias y los sonidos y es responsabilidad del DJ hacer que estos engranen sicronizadamente.
También hay que diferenciar los tipos de DJ que existen:
Club DJ; Que toca en Discotecas o Clubes
Radio DJ; Su nombre lo dice todo
Mobil DJ; O DJ de ampiflicación
Bedroom DJ; DJ de Dormitorio o Casa
Un verdadero Dj debe poseer una serie de cualidades naturales y conocimientos técnicos que resumimos a continuación:
Música; Un DJ es una autoridad en música, debe estar informado y actualizado acerca de los artistas, albumes, títulos, bpm, generos, etc .
Talento natural y oído musical; capacidad para diferenciar las cadencias y dinámicas armónicas de cada canción, para lograr una programación que no tenga altibajos ni fallas de compaginación rítmica o de género, ( a no ser que sea un DJ ecléctico, que combina estilos y corrientes musicales diferentes como en un poupurri).
Técnica; Conocimientos avanzados para el uso y manipulación de los equipos, conexiones, equalización, uso de recursos y efectos, samplers, mixers, decks, crossovers, poderes, micrófonos,sintetizadores, groovebox, etc
Creatividad; Para innovar estilos de mezclas y cambios, ubicando los segmentos ideales de cada tema para poder mezclar y cambiar de canción sin que el oyente lo note y/o pierda el ritmo.
Buen gusto; para seleccionar debidamente los temas a incluir en su set de manera que sigan secuencias ascendentes y/o descendentes, agradables, bailables, pegajosas, motivando reacciones de euforia, alegría y diversión en el público.
Psicología; para captar la energía de la concurrencia, cambiando si es necesario, su programación para crear un efecto específico en el público y fans obteniendo el ambiente adecuado según la ocasión.
Capacidad de improvización y eliminación del Ego; en vista que el DJ no toca para él, sino para el público, se debe a quienes van a escucharlo y si es necesario debe cambiar sus secuencias.
Teoría musical básica; lo más posible acerca de la teoría musical, compazes, tempos, etc.
Uso del micrófono y educación de la voz; un Dj realmente completo es capaz de animar a la concurrencia con solo una frase dicha en el momento propicio, haciendo un pequeño rap sobre algún tema o creando efectos con su propia voz.
Cualquiera que crea que un DJ solo pone o cruza discos, lo dice porque nunca lo ha hecho y aunque no requiere de un título universitario o conocimiento científico, si requiere de un desarrollado gusto musical, criterio y técnica, que hacen del mismo un protagonista central de cada fiesta o rave que se realize donde quiera.
Historia del Blues
Historia del Blues, desde sus orígenes en el Delta del Mississippi hasta su influencia en el rock moderno
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Blues, símbolo de una tristeza. Blues, historia de la esclavitud de un pueblo. Blues, manifestación de una condición de vida. Blues, una manera de liberar los sentimientos. Blues la música.
Para rastrear el nacimiento del blues. habría que ir hasta la costa norteamericana de Virginia más precisamente
Jamestown y remontarse a un día de agosto del año 1619.
En esas playas, desembarcaron a los primeros esclavos negros traídos en su mayoría desde la costa oeste de África, para trabajar, en régimen de esclavitud, en campos de algodón. Consigo portaban su folklore que se traducía en canciones de ritmos regulares en las que explicaban sus emociones, sentimientos sobre la vida y la inmensa tristeza que les producía haber sido desarraigados de su tierra.
Mundo de esclavos
Un siglo después, sólo en Nueva Orleans, había un promedio aproximado de cinco mil negros por cada cuatro mil blancos. Los hijos y nietos de esos esclavos iban a ser los fundadores del "blues" (en inglés significa "melancolía"). Decir I`ve got the blues en los años treinta y cuarenta del siglo XIX significaba aburrirse, pero hacia los años sesenta de ese mismo siglo, tenía la connotación de infelicidad.
El nacimiento del blues se produjo en las plantaciones de algodón, tabaco y maní, en los estados de Mississippi, Louisiana, Georgia o Alabama. La mano de obra en esas plantaciones era exclusivamente esclava. A los cautivos africanos que se desangraban en esas haciendas les habían quitado la libertad, pero no habían logrado arrebatarles sus costumbres. La música y el baile eran una parte primordial de esas costumbres. Aparte de las canciones religiosas, entonadas para solicitarle favores a las deidades, existía un rico repertorio de canciones paganas. Al principio se entonaban en bantú, fon, yoruba y otras lenguas y dialectos de África; luego, cuando los esclavos incorporaron la lengua del colonizador, los cantos comenzaron a decirse en inglés. Pronto esa música, viva y primordialmente rítmica, fue el fondo de una serie de temas que dieron cuenta de los infortunios por los que pasaba el esclavo en el infierno de las plantaciones. Eran los llamados work songs (cantos de trabajo), canciones improvisadas durante la faena. Una voz entonaba un verso, que de inmediato el resto repetía a coro. Se puede decir que es la primera manifestación musical del negro en América.
El Blues: Texas y el sur
No podemos decir con exactitud donde nació el blues, pero a sugerencia de los datos diremos que; en algún lugar del gran territorio que se extiende desde el interior de Georgia y el norte de Florida hasta Texas. Esta zona comprende el sur y después el este de los montes Apalaches, incluye el valle del Mississippi hasta el norte y el sur de Illinois y el Missouri Bootheel, y avanza hacia el oeste, pasando por alto los montes Ozark para abarcar el sudeste de Oklahoma y el este y el centro de Texas. Zona de granjas y plantaciones de algodón, cruzadas por terrenos de bosques de madera dura, bosques de pinos y pantanos de cipreses que han sido progresivamente despejados a lo largo del siglo XX. La mayor parte del territorio estaba habitado por los indios o era inhabitable hasta la primera mitad del siglo XIX. El algodón era el rey de toda la región y un gran número de obreros negros trabajaban –primero como esclavos- muy duro en los campos, para plantarlo, cultivarlo y cosecharlo, luego como aparceros y pocas veces como arrendatarios y propietarios de esas tierras. En zonas de plantaciones donde el cultivo era más grande, tales como el delta del Mississippi y el cinturón negro de Alabama, la población negra ascendía al ochenta o noventa por ciento del total. Casi la totalidad de los innovadores del blues que llevaron a cabo el desarrollo estilístico de esta música eran de esa zona o comenzaron sus carreras en ella. El estado de Mississippi probablemente proporcionó el mayor número de artistas durante la primera ´´epoca de las grabaciones, esto debido en gran parte a la importancia del Delta como región del blues Hoy en día esta zona se mantiene como un punto estratégico y fuerte, con mucha actividad del blues.
En 1861-1865, después de la guerra civil entre el sur y el norte, y con la victoria de este último, se abole la esclavitud. Los negros se van incorporando de apoco a la vida de los blancos, lo que implica que aprenden a tocar los instrumentos de estos mismos. De ahí que surge la figura del cantante de blues, acompañado de una guitarra.
A partir de la Segunda Guerra Mundial, surge el "Rhythm´n´blues" que es la suma de blues, guitarra eléctrica, piano y batería. Con la mezcla de las canciones religiosas "Gospel"cantada por los negros y el blues surge el "Soul"
Blues rural
Cuando se habla de blues muchos se imaginan a virtuosos guitarristas como Eric Clapton tocando inspirados solos improvisados sobre una base musical repetitiva y triste. Por esto se sorprenden cuando se dan cuenta que este estilo musical tiene un orígen absolutamente folklórico, muy lejos de las guitarras eléctricas distorsionadas. A veces sonidos tristes y otras felices, el blues rural comenzó a grabarse a partir de 1923, y los músicos negros fueron los maestros que dibujaron este lenguaje, que más tarde los músicos de rock echarían mano una y otra vez en busca de inspiración.
Comentario:
En esta autopista congestionada donde nadie para a escuchar tus reclamos, de fondo sentis el calor de unos acordes que llegan hasta tus oídos y pensás, ´me espera un largo viaje, y mi único equipaje es el Blues… (del tema Blues del equipaje. <> - Grupo de Argentina)
La leyenda de Robert Johnson. "encrucijada"
Cuenta la leyenda que Robert Johnson, nacido en 1911 en Hazlehurst, zona sur del estado de Mississippi, era un músico mediocre y que misteriosamente, de la noche a la mañana, logró convertirse en el mejor guitarrista del Delta, cuyos largos dedos demostraron un conocimiento musical que iba más allá de la edad y la época del artista. Se sabe que Johnson, casado en 1930, enviudó al poco tiempo. A partir de ese momento comenzó un largo peregrinaje por el Mississippi. Durante todo ese periplo nada se supo de él. La leyenda dice que en la encrucijada de dos caminos, al sonar las campanadas de medianoche Robert Johnson le vendió su alma al diablo a cambio de su incomparable talento musical.
No existen pruebas de los vínculos de Robert Johnson con las artes ocultas de la magia negra, sin embargo, la mayor parte de los testigos coinciden en afirmar que sobre el escenario irradiaba un halo mágico que cautivaba al público. Cantaba con una dicción levemente apagada, con una voz apasionada, agonizante y muchas veces afectada, su guitarra era brillante. Los temas persistentes en sus blues eran la desesperación religiosa y los demonios interiores, también describían imágenes de degradación y de desinhibida sexualidad. Un músico creativo y genial.
El mejor bluesmen del Mississippi. La gente que viajó y tocó con Robert Johnson dice que podía mantener una conversación en una habitación llena de gente mientras sonaba la radio como fondo, sin prestarle aparentemente ninguna atención, y al otro día tocar, nota por nota, cada una de las canciones que se habían emitido. Posiblemente, se trata del artista de blues más influyente de todos los tiempos.
En Texas grabó sus primeros discos, entre 1936 y 1937, en la cual se pueden percibir la influencia de Son House, Willie Brown, Skip James, Johnny Temple y Hambone Willie Newbern. Entre sus primeros títulos, la canción "Terraplene Blues" fue la que tuvo mayor difusión. Johnson sólo grabó veintinueve canciones en su breve carrera. Compuso algunas de las canciones más importantes de la historia del blues, como Crossroad Blues, Come on in my kitchen y Sweet Home Chicago. Dos años más tarde, cuando su virtuosismo y magnetismo lo habían convertido en el mejor músico de la región, murió envenenado por un hombre que creía que le estaba haciendo la corte a su mujer, mientras tocaba en un bar de Greenwood, en el mes de agosto de 1938. Tenía apenas 27 años. Cincuenta años después de su muerte, una reedición de todas sus grabaciones fue disco de oro y consiguió un premio Grammy.
Los primeros instrumentos utilizados
BANJO PRIMITIVO
Este instrumento, estaba construido con una calabaza alargada que había sido secada hasta conseguir que tuviera la dureza del plástico. Tenía cinco cuerdas cortadas de un largo hilo de pescar de plástico atadas al palo de madera hueca hacía las veces del mástil del instrumento. Cuatro de las cuerdas se extendían hasta el final del palo, y la quinta estaba atada cerca del cuerpo del instrumento, con una longitud más corta que elevaba el tono. Había un puente tallado a mano que mantenía las cuerdas separadas de la tirante membrana de piel de cabra que cubría el corte efectuado a la calabaza, en la lengua wolof el instrumento se llamaba halam, en la lengua de los músicos africanos que la llevaron al sur de los Estados Unidos, tiene el nombre de Banjo.
Con el paso del tiempo el banjo sufrió cambias importantes. Para 1883 el Banjo se había americanizado. La membrana de piel estaba ahora extendida sobre un armazón redondo, en un principio de madera y más tarde de metal. El mango redondeado se había reemplazado ahora por un mástil plano, y la cuerda corta se fijó al lado del mástil con clavijas, primero de madera como en un tambor y cuando cambió, las clavijas y el aro que la mantenían tirantes también fueron de metal a rosca. De este modo el instrumento era más ruidoso y puesto que las cuerdas se podían tensar más, sonaban en un tono más alto. Se había convertido en un banjo con sonido metálico.
El banjo junto con el violín fueron convirtiéndose en los instrumentos más comunes de las plantaciones del sur. Y no fue en forma definitiva el instrumento que conformaría el blues pero sí fue el instrumento que contribuyó a desarrollar las técnicas que llegaron a formar parte de los antecedentes del blues. Se le podría considerar como un estadio intermedio entre la música de los Griots (Cada lengua de Africa del Sur posee una palabra diferente para designar "cantante", pero todas ellas utilizan un termino más general, griot) y la de los primeros cantantes de blues.
En parte la razón para que el Banjo perdiera su papel central en la vida musical rural afro americana se debe a que muchas piezas de su repertorio habían sido asumidas por músicos blancos y se habían asociado con los espectáculos Minstrel (Espectáculo de variedades, con artistas en su mayoría blancos, que incluía canciones y números cómicos, generalmente imitando de forma burlona a los negros). También se puede citar los cambios en el instrumento (el tono más alto y el tensado de las cuerdas, que no podían producir una nota sostenida).
GUITARRA
Con los primeros acompañamientos de guitarra hubo otra manera de resolver el dilema. La guitarra desplazó en alto grado al Banjo y al violín, sobre todo al primero, cuyo uso fue poco común entre los cantantes de Blues.
El blues era ante todo una música vocal y requería cierta calidad vocal en los instrumentos. La flexibilidad de la guitarra satisfacía dicha exigencia. La afinación mi-si-sol-re-la-mi- típica se alteraba tensando o destensando las cuerdas hasta que el instrumento quedaba afinado a una cuerda. Los resultados fueron muy satisfactorios.
Con los primeros acompañamientos de la guitarra hubo otra forma de tocarla. Esto se consiguió con la guitarra slack key, que eran populares en los estados unidos. Esencialmente, la guitarra se afinaba en un acorde abierto y a melodía se tocaba deslizando una barra de metal arriba y abajo por las cuerdas. Esta fue la solución a un problema específico del blues que condujo a las diferentes afinaciones y estilos del blues moderno.
Esta técnica fue también conocida con el nombre de knife-song, ya que se deslizaba una hoja de cuchillo sobre las cuerdas, y el músico podía obtener un sonido lastimero parecido a un gemido humano, o al de un field-holler. Aunque algunos guitarristas utilicen este recurso de modo ocasional, y otros habitualmente, el hecho es que la técnica se ha generalizado, lo cual indica la clara diferencia que siente el cantante de blues por los sonidos dotados de calidades vocales.
Comentario:
Si bien posteriormente con el propio desarrollo del blues fueron utilizado un gran número de instrumentos, (La jarra y el kazoo, que se reemplazó en los años treinta por el bajo de una cuerda hecho con una tina de lavar invertida o un cubo de manteca de cerdo, la tabla de lavar (todos estos instrumentos de percusión africanos), la guitarra slide, hecha de una cuerda con alambre de escoba extendido a lo largo de una madera o de la pared de una casa y que al pulsarla, sonaba y deslizaban una botella de cristal a lo largo, tocada en los años treinta y cuarenta, muchos artistas del blues comenzaron de esta manera.) los que dieron la pauta al inicio de este género musical.
¡El Blues está vivo!
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Blues, símbolo de una tristeza. Blues, historia de la esclavitud de un pueblo. Blues, manifestación de una condición de vida. Blues, una manera de liberar los sentimientos. Blues la música.
Para rastrear el nacimiento del blues. habría que ir hasta la costa norteamericana de Virginia más precisamente
Jamestown y remontarse a un día de agosto del año 1619.
En esas playas, desembarcaron a los primeros esclavos negros traídos en su mayoría desde la costa oeste de África, para trabajar, en régimen de esclavitud, en campos de algodón. Consigo portaban su folklore que se traducía en canciones de ritmos regulares en las que explicaban sus emociones, sentimientos sobre la vida y la inmensa tristeza que les producía haber sido desarraigados de su tierra.
Mundo de esclavos
Un siglo después, sólo en Nueva Orleans, había un promedio aproximado de cinco mil negros por cada cuatro mil blancos. Los hijos y nietos de esos esclavos iban a ser los fundadores del "blues" (en inglés significa "melancolía"). Decir I`ve got the blues en los años treinta y cuarenta del siglo XIX significaba aburrirse, pero hacia los años sesenta de ese mismo siglo, tenía la connotación de infelicidad.
El nacimiento del blues se produjo en las plantaciones de algodón, tabaco y maní, en los estados de Mississippi, Louisiana, Georgia o Alabama. La mano de obra en esas plantaciones era exclusivamente esclava. A los cautivos africanos que se desangraban en esas haciendas les habían quitado la libertad, pero no habían logrado arrebatarles sus costumbres. La música y el baile eran una parte primordial de esas costumbres. Aparte de las canciones religiosas, entonadas para solicitarle favores a las deidades, existía un rico repertorio de canciones paganas. Al principio se entonaban en bantú, fon, yoruba y otras lenguas y dialectos de África; luego, cuando los esclavos incorporaron la lengua del colonizador, los cantos comenzaron a decirse en inglés. Pronto esa música, viva y primordialmente rítmica, fue el fondo de una serie de temas que dieron cuenta de los infortunios por los que pasaba el esclavo en el infierno de las plantaciones. Eran los llamados work songs (cantos de trabajo), canciones improvisadas durante la faena. Una voz entonaba un verso, que de inmediato el resto repetía a coro. Se puede decir que es la primera manifestación musical del negro en América.
El Blues: Texas y el sur
No podemos decir con exactitud donde nació el blues, pero a sugerencia de los datos diremos que; en algún lugar del gran territorio que se extiende desde el interior de Georgia y el norte de Florida hasta Texas. Esta zona comprende el sur y después el este de los montes Apalaches, incluye el valle del Mississippi hasta el norte y el sur de Illinois y el Missouri Bootheel, y avanza hacia el oeste, pasando por alto los montes Ozark para abarcar el sudeste de Oklahoma y el este y el centro de Texas. Zona de granjas y plantaciones de algodón, cruzadas por terrenos de bosques de madera dura, bosques de pinos y pantanos de cipreses que han sido progresivamente despejados a lo largo del siglo XX. La mayor parte del territorio estaba habitado por los indios o era inhabitable hasta la primera mitad del siglo XIX. El algodón era el rey de toda la región y un gran número de obreros negros trabajaban –primero como esclavos- muy duro en los campos, para plantarlo, cultivarlo y cosecharlo, luego como aparceros y pocas veces como arrendatarios y propietarios de esas tierras. En zonas de plantaciones donde el cultivo era más grande, tales como el delta del Mississippi y el cinturón negro de Alabama, la población negra ascendía al ochenta o noventa por ciento del total. Casi la totalidad de los innovadores del blues que llevaron a cabo el desarrollo estilístico de esta música eran de esa zona o comenzaron sus carreras en ella. El estado de Mississippi probablemente proporcionó el mayor número de artistas durante la primera ´´epoca de las grabaciones, esto debido en gran parte a la importancia del Delta como región del blues Hoy en día esta zona se mantiene como un punto estratégico y fuerte, con mucha actividad del blues.
En 1861-1865, después de la guerra civil entre el sur y el norte, y con la victoria de este último, se abole la esclavitud. Los negros se van incorporando de apoco a la vida de los blancos, lo que implica que aprenden a tocar los instrumentos de estos mismos. De ahí que surge la figura del cantante de blues, acompañado de una guitarra.
A partir de la Segunda Guerra Mundial, surge el "Rhythm´n´blues" que es la suma de blues, guitarra eléctrica, piano y batería. Con la mezcla de las canciones religiosas "Gospel"cantada por los negros y el blues surge el "Soul"
Blues rural
Cuando se habla de blues muchos se imaginan a virtuosos guitarristas como Eric Clapton tocando inspirados solos improvisados sobre una base musical repetitiva y triste. Por esto se sorprenden cuando se dan cuenta que este estilo musical tiene un orígen absolutamente folklórico, muy lejos de las guitarras eléctricas distorsionadas. A veces sonidos tristes y otras felices, el blues rural comenzó a grabarse a partir de 1923, y los músicos negros fueron los maestros que dibujaron este lenguaje, que más tarde los músicos de rock echarían mano una y otra vez en busca de inspiración.
Comentario:
En esta autopista congestionada donde nadie para a escuchar tus reclamos, de fondo sentis el calor de unos acordes que llegan hasta tus oídos y pensás, ´me espera un largo viaje, y mi único equipaje es el Blues… (del tema Blues del equipaje. <
La leyenda de Robert Johnson. "encrucijada"
Cuenta la leyenda que Robert Johnson, nacido en 1911 en Hazlehurst, zona sur del estado de Mississippi, era un músico mediocre y que misteriosamente, de la noche a la mañana, logró convertirse en el mejor guitarrista del Delta, cuyos largos dedos demostraron un conocimiento musical que iba más allá de la edad y la época del artista. Se sabe que Johnson, casado en 1930, enviudó al poco tiempo. A partir de ese momento comenzó un largo peregrinaje por el Mississippi. Durante todo ese periplo nada se supo de él. La leyenda dice que en la encrucijada de dos caminos, al sonar las campanadas de medianoche Robert Johnson le vendió su alma al diablo a cambio de su incomparable talento musical.
No existen pruebas de los vínculos de Robert Johnson con las artes ocultas de la magia negra, sin embargo, la mayor parte de los testigos coinciden en afirmar que sobre el escenario irradiaba un halo mágico que cautivaba al público. Cantaba con una dicción levemente apagada, con una voz apasionada, agonizante y muchas veces afectada, su guitarra era brillante. Los temas persistentes en sus blues eran la desesperación religiosa y los demonios interiores, también describían imágenes de degradación y de desinhibida sexualidad. Un músico creativo y genial.
El mejor bluesmen del Mississippi. La gente que viajó y tocó con Robert Johnson dice que podía mantener una conversación en una habitación llena de gente mientras sonaba la radio como fondo, sin prestarle aparentemente ninguna atención, y al otro día tocar, nota por nota, cada una de las canciones que se habían emitido. Posiblemente, se trata del artista de blues más influyente de todos los tiempos.
En Texas grabó sus primeros discos, entre 1936 y 1937, en la cual se pueden percibir la influencia de Son House, Willie Brown, Skip James, Johnny Temple y Hambone Willie Newbern. Entre sus primeros títulos, la canción "Terraplene Blues" fue la que tuvo mayor difusión. Johnson sólo grabó veintinueve canciones en su breve carrera. Compuso algunas de las canciones más importantes de la historia del blues, como Crossroad Blues, Come on in my kitchen y Sweet Home Chicago. Dos años más tarde, cuando su virtuosismo y magnetismo lo habían convertido en el mejor músico de la región, murió envenenado por un hombre que creía que le estaba haciendo la corte a su mujer, mientras tocaba en un bar de Greenwood, en el mes de agosto de 1938. Tenía apenas 27 años. Cincuenta años después de su muerte, una reedición de todas sus grabaciones fue disco de oro y consiguió un premio Grammy.
Los primeros instrumentos utilizados
BANJO PRIMITIVO
Este instrumento, estaba construido con una calabaza alargada que había sido secada hasta conseguir que tuviera la dureza del plástico. Tenía cinco cuerdas cortadas de un largo hilo de pescar de plástico atadas al palo de madera hueca hacía las veces del mástil del instrumento. Cuatro de las cuerdas se extendían hasta el final del palo, y la quinta estaba atada cerca del cuerpo del instrumento, con una longitud más corta que elevaba el tono. Había un puente tallado a mano que mantenía las cuerdas separadas de la tirante membrana de piel de cabra que cubría el corte efectuado a la calabaza, en la lengua wolof el instrumento se llamaba halam, en la lengua de los músicos africanos que la llevaron al sur de los Estados Unidos, tiene el nombre de Banjo.
Con el paso del tiempo el banjo sufrió cambias importantes. Para 1883 el Banjo se había americanizado. La membrana de piel estaba ahora extendida sobre un armazón redondo, en un principio de madera y más tarde de metal. El mango redondeado se había reemplazado ahora por un mástil plano, y la cuerda corta se fijó al lado del mástil con clavijas, primero de madera como en un tambor y cuando cambió, las clavijas y el aro que la mantenían tirantes también fueron de metal a rosca. De este modo el instrumento era más ruidoso y puesto que las cuerdas se podían tensar más, sonaban en un tono más alto. Se había convertido en un banjo con sonido metálico.
El banjo junto con el violín fueron convirtiéndose en los instrumentos más comunes de las plantaciones del sur. Y no fue en forma definitiva el instrumento que conformaría el blues pero sí fue el instrumento que contribuyó a desarrollar las técnicas que llegaron a formar parte de los antecedentes del blues. Se le podría considerar como un estadio intermedio entre la música de los Griots (Cada lengua de Africa del Sur posee una palabra diferente para designar "cantante", pero todas ellas utilizan un termino más general, griot) y la de los primeros cantantes de blues.
En parte la razón para que el Banjo perdiera su papel central en la vida musical rural afro americana se debe a que muchas piezas de su repertorio habían sido asumidas por músicos blancos y se habían asociado con los espectáculos Minstrel (Espectáculo de variedades, con artistas en su mayoría blancos, que incluía canciones y números cómicos, generalmente imitando de forma burlona a los negros). También se puede citar los cambios en el instrumento (el tono más alto y el tensado de las cuerdas, que no podían producir una nota sostenida).
GUITARRA
Con los primeros acompañamientos de guitarra hubo otra manera de resolver el dilema. La guitarra desplazó en alto grado al Banjo y al violín, sobre todo al primero, cuyo uso fue poco común entre los cantantes de Blues.
El blues era ante todo una música vocal y requería cierta calidad vocal en los instrumentos. La flexibilidad de la guitarra satisfacía dicha exigencia. La afinación mi-si-sol-re-la-mi- típica se alteraba tensando o destensando las cuerdas hasta que el instrumento quedaba afinado a una cuerda. Los resultados fueron muy satisfactorios.
Con los primeros acompañamientos de la guitarra hubo otra forma de tocarla. Esto se consiguió con la guitarra slack key, que eran populares en los estados unidos. Esencialmente, la guitarra se afinaba en un acorde abierto y a melodía se tocaba deslizando una barra de metal arriba y abajo por las cuerdas. Esta fue la solución a un problema específico del blues que condujo a las diferentes afinaciones y estilos del blues moderno.
Esta técnica fue también conocida con el nombre de knife-song, ya que se deslizaba una hoja de cuchillo sobre las cuerdas, y el músico podía obtener un sonido lastimero parecido a un gemido humano, o al de un field-holler. Aunque algunos guitarristas utilicen este recurso de modo ocasional, y otros habitualmente, el hecho es que la técnica se ha generalizado, lo cual indica la clara diferencia que siente el cantante de blues por los sonidos dotados de calidades vocales.
Comentario:
Si bien posteriormente con el propio desarrollo del blues fueron utilizado un gran número de instrumentos, (La jarra y el kazoo, que se reemplazó en los años treinta por el bajo de una cuerda hecho con una tina de lavar invertida o un cubo de manteca de cerdo, la tabla de lavar (todos estos instrumentos de percusión africanos), la guitarra slide, hecha de una cuerda con alambre de escoba extendido a lo largo de una madera o de la pared de una casa y que al pulsarla, sonaba y deslizaban una botella de cristal a lo largo, tocada en los años treinta y cuarenta, muchos artistas del blues comenzaron de esta manera.) los que dieron la pauta al inicio de este género musical.
¡El Blues está vivo!
HISTORA DEL ROCK
Historia y orígenes del término y la tergiversación de su significado
El término "rock and roll" fué originalmente un término náutico utilizado por los marineros durante cientos de años. El término se refiere a los movimientos "rock" (movimiento hacia adelante y hacia atrás) y "roll" (movimiento de un lado a otro) de una embarcación. El término entró en la música "gospel" (evangélica) negra hace mucho tiempo atrás, pero con un significado totalmente diferente y fué utilizado como tal por primera vez en una grabación 1912, en una antigua grabación gospel negra llamada "The Camp Meeting Jubilee" (El Júbilo de la Reunión Campestre) en el sello disquero "Little Wonder Records". El artista era mencionado sólo como un "Cuarteto Masculino".
Keep on rockin' an' roll me in yo' arms,
Rock an' roll me in yo' arms,
Rock an' roll me in yo' arms,
In the arms of Moses,
Habiendo determinado la procedencia del término, hablaremos de dónde viene el género musical rock and roll. Antes del 1947, las únicas personas que hablaban mucho de "rocking" eran los cantantes negros de gospel. Ellos estaban "meciendo" (rocking) sus almas en el seno o regazo de Abraham y cantando "Rock me Jesus," (Estreméceme Jesús) y "Rock me in the cradle of Thy love" (Méceme en la cuna de Tu amor), "Rock me Lord," y "Rock Daniel," etc. La música secular negra bailable para ese entonces era el boogie woogie y no el rock, como muchos pensaban. Luego, en 1947, Roy Brown hizo un blues llamado "Good Rocking Tonight" (Buen "Movimiento" esta Noche) que era una parodia del gospel, sólo que en vez de rockeando al Señor, él presentaba a cristianos conocidos como Deacon Jones y Elder Brown haciendo otro tipo de "rocking" (movimiento). El disco vendió, pero la versión de Brown no era una "rockeada" en lo absoluto, era tan sólo un estilito de balada suave.
Luego viene Wynonie Harris. El tomó el chistecito de Brown, acerca de estos cristianos "rockeando", y le cambió el ritmo a ritmo gospel, también en 1947 (el disco salió al mercado a principios de 1948). La diferencia entre las versiones de Wynonie Harris y la de Brown es la medida en el ritmo gospel de rockear en el 2ndo y 4to tiempo de una medida 4/4, como se puede escuchar en el rockeo en aplausos de Wynonie, como había sido en el contratiempo de la música gospel music por décadas.
El, sin embargo, no fué el primero en cantar blues con un ritmo gospel, dado que otros tales como Big Joe Turner estuvo haciendo durante años . Y Brown tampoco fué el primero en utilizar el término "rocking" para sexo, dado que se había estado haciendo al menos desde los años 1920. Sólo que fué el disco de Harris el que comenzó con la "moda" de rocking en el blues y R&B a finales de los 1940. Luego del disco de Harris, hubo una oleada masiva de canciones de tipo rocking blues, y cada cantante negro tenía un disco de rocking blues en el mercado para 1949 o 1950 (había una prohibición en el mercado disquero para el 1948, así que muchas de las producciones que salieron a principios del 1949 fueron grabadas en el 48, muchas de ellas siendo grabadas durante la prohibición). Fué esta, una moda que barrió y cambió el R&B para siempre. "Rockear" era lo que estaba "in", boogie woogie estaba "fuera de onda", y entra 1948 y 1951 la mayoría de los artistas de R&B competían y se retaban en rockeos unos contra otros. Esta nueva música tenía un ritmo verdaderamente poderoso.
Dado que la música ya había llegado, había que ponerle un nuevo nombre, era lo único que le faltaba. R&B era un término demasiado amplio, porque era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Todo lo demás era considerado R&B, independientemente de su verdadero estilo musical. Podía haber sido una balada, un estilo de "jump blues", cantantes melodiosos como los "Ink Spots", blues gritados (shouters), o cualquier otra cosa, lo que fuera, después que fuera de negros era clasificado como R&B. Esta música, sin embargo, era nueva y revolucionaria y por lo tanto necesitaba un nuevo nombre, así que los "disc jockeys", "dirigidos" por el Dj de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarle rock n' roll. Esto ocurrió en el 1951, y muchos animadores radiales, tales como Waxie Maxie en Washington, DC, Hunter Hancock en Los Angeles y Porky Chedwick en Pittsburgh siguieron la moda. Ya surgida la música y con el nuevo nombre de rock and roll ahora oficial, lo demás es historia. Olvidemos, pues, los "mitos" que se escuchan acerca de 1954, Sun Records, Elvis, Sam Phillips, etc. Esa es la historia del rockabilly, pero el rock and roll como tal ya estaba aquí, con nombre, grabado y con radiodifusión mucho antes que ellos.
En 1952 y '53, el rock and roll se estaba caractrizando mayormente con baladas románticas suaves, tocadas por bandas de jóvenes adolescentes con nombres de aves, tales como The Crows (Los Cuervos), Ravens (Cuervos), Orioles, Cardinals, etc., usualmente el lado contrario de estos discos eran "números" bailables movidos, los cuales eran llamados rockers. En varias partes de E.U., la gente les iba añadiendo sus respectivos "sabores" regionales al estilo. En las ciudades del norte, los italianos y Puerto Riqueños tocaban rock and roll a su estilo. En la Costa Oeste, los Chicanos la tocaban en español. En el sur, los cantantes de country le añadían el rock and roll a sus estilos hillbilly, y ahí nació el rockabilly, del cual Elvis si era el primer y máximo exponente. Los Cajuns en Louisiana le añadieron rock and roll a su música y así nació el zydeco. Al otro lado del charco, en Inglaterra, los Británicos añadieron rock and roll a su música, y nació el skiffle. Todo esto sucedió a principios de los años 50 y fué echado todo en el gigantesco ollón donde se mezcló para dar por resultado a lo que hoy conocemos como rock and roll.
Con el repentino surgir en 1954 de la audiencia Internacional que el rock and roll recivió, quedó grabada en la mente de la mayoría de las personas que el rock and roll definitivamente había nacido en ese año. La mayoría de las personas, por no decir todas, nunca tuvieron conocimiento de los rockers originales conocidos como la época del "hoy hoy" entre 1947-1953. Esa es la verdadera razón por la que estamos aquí.
Cuando leemos la mayoría de los libros acerca del origen del rock and roll, ellos describen una explosión que pegó alrededor del 1954. De repente, Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y muchos otros andaban tocando un perfectamente desarrollado rock and roll, como si el mismo hubiese salido de la nada. Algunos decriben un mágico momento en un estudio de grabaciones, con músicos vacilando durante un descanso de una grabación mientras tocaban un "Jam" improvisado, y de alguna manera inventando accidentalmente un tipo de música. Los más sobrios autores dicen, aunque también por error, que era una mezcla de música campestre y R&B (una descrición sumamente acertada de lo que era el "rockabilly", pero que no era la verdader forma original del rock and roll). Cuando estos libros describen las raíces del rock and roll, ellos usualmente comienzan con el blues de los años 1930 o antes, artistas tales como Robert Johnson y Charley Patton, y hacen luego referencias a los artistas blues de Chicago de los 1940's, tales como Howling Wolf y Muddy Waters, y entonces brincan hasta los mismos 1954, pasando por alto completamente el fuerte rockeo del R&B basado grandemente en el uso del Saxofón del periodo comprendido entre 1949 y 1953. He aquí muchas de las razones que explican este fenómeno:
1. En la radio a finales de los 40 y comienzos de los 50, el R&B era un tabú, sin embargo, hubo algunos animadores radiales que se atrevieron a a romper las reglas y las tocaban de todos modos. El primer R&B escuchado en la radio en la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fué al final del 1952, y aún entonces, era ecuchado después de la media noche. Algunas de las grandes ciudades tenían programas de R&B antes de eso, pero en general, no había prácticamente nada de R&B en la radio en los días de comienzos de la década. Sin la radio, el único lugar en donde R&B era ampliamente conocido era en las comunidades negras antes de 1952, pero para entonces, la música había cambiado y el R&B era básicamente adjudicado a los grupos vocales conocidos como los "doo wop", populares entre los júvenes, lo que quiere decir que las etapas tempranas de R&B nunca vinieron a ser ampliamente conocidas.
2. Para el tiempo en que el R&B verdaderamente comenzó a ser escuchado ampliamente en las estaciones de radio, los discos en formato de 78 RPM ya habían sido recientemente remplazados por los nuevos discos en formato de 45 RPM. Casi todas las estaciones de radio habían comprado todos sus discos nuevos en el nuevo formato y botado todos los viejos 78 RPM, dado que estos eran pesados y, en general, poco prácticos y se rompían o rayaban con facilidad. Desafortunadamente todos los primeros R&B habían sido grabados en estos 78 RPM, así que cuando el R&B comenzó a escucharse en la radio, estos 78 RPM ya estaban en el zafacón. Más tarde, cuando los "golden oldies" (recuerdos dorados) sonaban en la radio, se referían a viejos 45, dado que los 78 ya habían sido descartados hacía tiempo. De ese modo la época Hoy Hoy de 78 RPM nunca tuvo suficiente y verdadera difución en la radio.
A esto se le suma la historia de las velloneras. En 1950 y 1951, la mayoría de las velloneras habían sido actualizadas a 45 RPM mientras que la mayoría de las producciones de R&B seguían siendo producidas en 78 RPM. De esta manera la época de los R&B "Hoy Hoy" había caído en la trampa mortal de ser las últimas producciones producidas en un formato cuyo destino era la desaparición permanente, y toda esta música se le perdió al nuevo mundo de los oyentes de los 45 RPM. (Esta historia es en cierta medida igual para el género de música campesina conocida como hillbilly o "country" music).
3. Cuando el rock and roll estuvo completamente establecido, luego de la llegada del rockabilly, y aún más con la invasión Británica de comienzos de los años 60, este se convirtió en un estilo basado en la guitarra, y estos guitaristas naturalmente se inspiraron en los precursores de esta música. De esa manera, Eric Clapton aprendería de los discos de B. B. King, Keith Richards escucharía los discos de Muddy Waters, etc., y eventualmente se asociaría a estos artistas como sus inspiraciones. Para este entonces, las disqueras se interesaron en "re-producir" las cosas viejas, en la medida que tuvieran guitarristas pricipales (leads) en sus formatos. Pero el R&B antes del 1953 era basado en saxofón, con muy poca o ninguna guitarra en lo absoluto. Dado que el sax fué virtualmente eliminado del rock and roll después de aproximadamente el 1956, la mayoría de las estrellas primarias se mantuvieron en el anonimato y eventualmente olvidads. Esto es cierto también para el piano, el cual probablemente fué el primer instrumento en el cual el género fué tocado.
4. A mediados de los 50, cuando el rock and roll era más popular, cada sello disquero tenía algunas "megaestrellas" que estaban tratando de promocionar y vender. RCA tenía a Elvis, Decca tenía a Bill Haley y Buddy Holly, Capitol tenía a Gene Vincent, etc. Definitivemente no era el mejor interés de las disqueras el promocionar o vender los éxitos viejos, para evitar que esto le quitara el momentum a su "producto", que eran sus artistas nuevos. Así, por ejemplo, a pesar de que RCA estaba sentada sobre una mina de oro con los rockeros anteriores tales como Piano Red y Big Boy Crudup, su atención estaba dirigida hacia la promoción de Elvis.
Era también obvio, que no estaba dentro de su mejor interés el promocionar o mencionar la música de sus primeros artistas en los sellos independientes y más pequeños, los cuales no tenían los recursos para competir con ellos. De esa manera los artistas de R&B del periodo entre 1949 al 1953, desaparecieron en el olvido. Los jóvenes de mediados de los 50 vieron a estos como viejos cantantes de blues cuyos discos no valía la pena escuchar. El único artista popular de R&B del periodo entre 1949-53 que logró llegar a la corriente principal del rock and roll después del 1954 fué Fats Domino, quien tenía éxitos tan atrás en el tiempo como el 1949 [Little Richard tuvo producciones tan viejas como el año 1951 pero no eran tan vendidos y escuchados además de que él vino a ser verdaderamente famoso cuando el éxito Tutti Frutti en 1956. Chuck Berry era muy popular en San Louis durante la era Hoy Hoy, pero nunca grabó antes del 1955 cuando se hizo famoso con el éxito de ventas Maybelline. Ike Turner fué muy exitoso también en el R&B durante la era del Hoy Hoy, con éxitos que regresaban al 1951, pero sus discos siempre fueron promovidos a la audiencia negra del R&B, así que usualmente no es mencionado en los libros de rock and roll escritos por blancos, un desafortunado y grave desatino de su parte].
5. En 1954, el nombre "rock and roll" fué comunmente aplicado a esta música, que ahora era mercadeada a adolescentes jóvenes, quienes se identificaban con ese nuevo "motivo". Había muy poco incentivo para estos jóvenes fanáticos para que escucharan otra música anterior con cualquier otro nombre. El nombre común para la música anterior era R&B, y la connotación racial que este nombre conllevaba, alejaba a la mayoría de los fanáticos del rock and roll de explorar producciones anteriores, a pesar de que la música era la misma. Por otro lado, estos discos eran dirigidos a un público adulto, y los jovencitos simplemente no estaban listos para ellos. Las excepciones a esta regla lo fueron los pocos artistas negros que, de alguna forma fueron promocionados como estrellas de rock and roll, en vez de R&B. Estos fueron Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, y las bandas vocales. Los artistas negros que fueron promocionados como R&B no vendieron gran cosa entre los adolescentes blancos. Por ejemplo, Ike Turner había vendido discos de rock and roll desde 1951, pero su nombre nunca se menciona en los libros sobre las "raíces de rock", simplemente porque sus discos fueron promocionados como R&B. La música, aún así era la misma. Ike Turner tiene su propia página en. .
Historia y orígenes del término y la tergiversación de su significado
El término "rock and roll" fué originalmente un término náutico utilizado por los marineros durante cientos de años. El término se refiere a los movimientos "rock" (movimiento hacia adelante y hacia atrás) y "roll" (movimiento de un lado a otro) de una embarcación. El término entró en la música "gospel" (evangélica) negra hace mucho tiempo atrás, pero con un significado totalmente diferente y fué utilizado como tal por primera vez en una grabación 1912, en una antigua grabación gospel negra llamada "The Camp Meeting Jubilee" (El Júbilo de la Reunión Campestre) en el sello disquero "Little Wonder Records". El artista era mencionado sólo como un "Cuarteto Masculino".
Keep on rockin' an' roll me in yo' arms,
Rock an' roll me in yo' arms,
Rock an' roll me in yo' arms,
In the arms of Moses,
Habiendo determinado la procedencia del término, hablaremos de dónde viene el género musical rock and roll. Antes del 1947, las únicas personas que hablaban mucho de "rocking" eran los cantantes negros de gospel. Ellos estaban "meciendo" (rocking) sus almas en el seno o regazo de Abraham y cantando "Rock me Jesus," (Estreméceme Jesús) y "Rock me in the cradle of Thy love" (Méceme en la cuna de Tu amor), "Rock me Lord," y "Rock Daniel," etc. La música secular negra bailable para ese entonces era el boogie woogie y no el rock, como muchos pensaban. Luego, en 1947, Roy Brown hizo un blues llamado "Good Rocking Tonight" (Buen "Movimiento" esta Noche) que era una parodia del gospel, sólo que en vez de rockeando al Señor, él presentaba a cristianos conocidos como Deacon Jones y Elder Brown haciendo otro tipo de "rocking" (movimiento). El disco vendió, pero la versión de Brown no era una "rockeada" en lo absoluto, era tan sólo un estilito de balada suave.
Luego viene Wynonie Harris. El tomó el chistecito de Brown, acerca de estos cristianos "rockeando", y le cambió el ritmo a ritmo gospel, también en 1947 (el disco salió al mercado a principios de 1948). La diferencia entre las versiones de Wynonie Harris y la de Brown es la medida en el ritmo gospel de rockear en el 2ndo y 4to tiempo de una medida 4/4, como se puede escuchar en el rockeo en aplausos de Wynonie, como había sido en el contratiempo de la música gospel music por décadas.
El, sin embargo, no fué el primero en cantar blues con un ritmo gospel, dado que otros tales como Big Joe Turner estuvo haciendo durante años . Y Brown tampoco fué el primero en utilizar el término "rocking" para sexo, dado que se había estado haciendo al menos desde los años 1920. Sólo que fué el disco de Harris el que comenzó con la "moda" de rocking en el blues y R&B a finales de los 1940. Luego del disco de Harris, hubo una oleada masiva de canciones de tipo rocking blues, y cada cantante negro tenía un disco de rocking blues en el mercado para 1949 o 1950 (había una prohibición en el mercado disquero para el 1948, así que muchas de las producciones que salieron a principios del 1949 fueron grabadas en el 48, muchas de ellas siendo grabadas durante la prohibición). Fué esta, una moda que barrió y cambió el R&B para siempre. "Rockear" era lo que estaba "in", boogie woogie estaba "fuera de onda", y entra 1948 y 1951 la mayoría de los artistas de R&B competían y se retaban en rockeos unos contra otros. Esta nueva música tenía un ritmo verdaderamente poderoso.
Dado que la música ya había llegado, había que ponerle un nuevo nombre, era lo único que le faltaba. R&B era un término demasiado amplio, porque era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Todo lo demás era considerado R&B, independientemente de su verdadero estilo musical. Podía haber sido una balada, un estilo de "jump blues", cantantes melodiosos como los "Ink Spots", blues gritados (shouters), o cualquier otra cosa, lo que fuera, después que fuera de negros era clasificado como R&B. Esta música, sin embargo, era nueva y revolucionaria y por lo tanto necesitaba un nuevo nombre, así que los "disc jockeys", "dirigidos" por el Dj de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarle rock n' roll. Esto ocurrió en el 1951, y muchos animadores radiales, tales como Waxie Maxie en Washington, DC, Hunter Hancock en Los Angeles y Porky Chedwick en Pittsburgh siguieron la moda. Ya surgida la música y con el nuevo nombre de rock and roll ahora oficial, lo demás es historia. Olvidemos, pues, los "mitos" que se escuchan acerca de 1954, Sun Records, Elvis, Sam Phillips, etc. Esa es la historia del rockabilly, pero el rock and roll como tal ya estaba aquí, con nombre, grabado y con radiodifusión mucho antes que ellos.
En 1952 y '53, el rock and roll se estaba caractrizando mayormente con baladas románticas suaves, tocadas por bandas de jóvenes adolescentes con nombres de aves, tales como The Crows (Los Cuervos), Ravens (Cuervos), Orioles, Cardinals, etc., usualmente el lado contrario de estos discos eran "números" bailables movidos, los cuales eran llamados rockers. En varias partes de E.U., la gente les iba añadiendo sus respectivos "sabores" regionales al estilo. En las ciudades del norte, los italianos y Puerto Riqueños tocaban rock and roll a su estilo. En la Costa Oeste, los Chicanos la tocaban en español. En el sur, los cantantes de country le añadían el rock and roll a sus estilos hillbilly, y ahí nació el rockabilly, del cual Elvis si era el primer y máximo exponente. Los Cajuns en Louisiana le añadieron rock and roll a su música y así nació el zydeco. Al otro lado del charco, en Inglaterra, los Británicos añadieron rock and roll a su música, y nació el skiffle. Todo esto sucedió a principios de los años 50 y fué echado todo en el gigantesco ollón donde se mezcló para dar por resultado a lo que hoy conocemos como rock and roll.
Con el repentino surgir en 1954 de la audiencia Internacional que el rock and roll recivió, quedó grabada en la mente de la mayoría de las personas que el rock and roll definitivamente había nacido en ese año. La mayoría de las personas, por no decir todas, nunca tuvieron conocimiento de los rockers originales conocidos como la época del "hoy hoy" entre 1947-1953. Esa es la verdadera razón por la que estamos aquí.
Cuando leemos la mayoría de los libros acerca del origen del rock and roll, ellos describen una explosión que pegó alrededor del 1954. De repente, Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y muchos otros andaban tocando un perfectamente desarrollado rock and roll, como si el mismo hubiese salido de la nada. Algunos decriben un mágico momento en un estudio de grabaciones, con músicos vacilando durante un descanso de una grabación mientras tocaban un "Jam" improvisado, y de alguna manera inventando accidentalmente un tipo de música. Los más sobrios autores dicen, aunque también por error, que era una mezcla de música campestre y R&B (una descrición sumamente acertada de lo que era el "rockabilly", pero que no era la verdader forma original del rock and roll). Cuando estos libros describen las raíces del rock and roll, ellos usualmente comienzan con el blues de los años 1930 o antes, artistas tales como Robert Johnson y Charley Patton, y hacen luego referencias a los artistas blues de Chicago de los 1940's, tales como Howling Wolf y Muddy Waters, y entonces brincan hasta los mismos 1954, pasando por alto completamente el fuerte rockeo del R&B basado grandemente en el uso del Saxofón del periodo comprendido entre 1949 y 1953. He aquí muchas de las razones que explican este fenómeno:
1. En la radio a finales de los 40 y comienzos de los 50, el R&B era un tabú, sin embargo, hubo algunos animadores radiales que se atrevieron a a romper las reglas y las tocaban de todos modos. El primer R&B escuchado en la radio en la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fué al final del 1952, y aún entonces, era ecuchado después de la media noche. Algunas de las grandes ciudades tenían programas de R&B antes de eso, pero en general, no había prácticamente nada de R&B en la radio en los días de comienzos de la década. Sin la radio, el único lugar en donde R&B era ampliamente conocido era en las comunidades negras antes de 1952, pero para entonces, la música había cambiado y el R&B era básicamente adjudicado a los grupos vocales conocidos como los "doo wop", populares entre los júvenes, lo que quiere decir que las etapas tempranas de R&B nunca vinieron a ser ampliamente conocidas.
2. Para el tiempo en que el R&B verdaderamente comenzó a ser escuchado ampliamente en las estaciones de radio, los discos en formato de 78 RPM ya habían sido recientemente remplazados por los nuevos discos en formato de 45 RPM. Casi todas las estaciones de radio habían comprado todos sus discos nuevos en el nuevo formato y botado todos los viejos 78 RPM, dado que estos eran pesados y, en general, poco prácticos y se rompían o rayaban con facilidad. Desafortunadamente todos los primeros R&B habían sido grabados en estos 78 RPM, así que cuando el R&B comenzó a escucharse en la radio, estos 78 RPM ya estaban en el zafacón. Más tarde, cuando los "golden oldies" (recuerdos dorados) sonaban en la radio, se referían a viejos 45, dado que los 78 ya habían sido descartados hacía tiempo. De ese modo la época Hoy Hoy de 78 RPM nunca tuvo suficiente y verdadera difución en la radio.
A esto se le suma la historia de las velloneras. En 1950 y 1951, la mayoría de las velloneras habían sido actualizadas a 45 RPM mientras que la mayoría de las producciones de R&B seguían siendo producidas en 78 RPM. De esta manera la época de los R&B "Hoy Hoy" había caído en la trampa mortal de ser las últimas producciones producidas en un formato cuyo destino era la desaparición permanente, y toda esta música se le perdió al nuevo mundo de los oyentes de los 45 RPM. (Esta historia es en cierta medida igual para el género de música campesina conocida como hillbilly o "country" music).
3. Cuando el rock and roll estuvo completamente establecido, luego de la llegada del rockabilly, y aún más con la invasión Británica de comienzos de los años 60, este se convirtió en un estilo basado en la guitarra, y estos guitaristas naturalmente se inspiraron en los precursores de esta música. De esa manera, Eric Clapton aprendería de los discos de B. B. King, Keith Richards escucharía los discos de Muddy Waters, etc., y eventualmente se asociaría a estos artistas como sus inspiraciones. Para este entonces, las disqueras se interesaron en "re-producir" las cosas viejas, en la medida que tuvieran guitarristas pricipales (leads) en sus formatos. Pero el R&B antes del 1953 era basado en saxofón, con muy poca o ninguna guitarra en lo absoluto. Dado que el sax fué virtualmente eliminado del rock and roll después de aproximadamente el 1956, la mayoría de las estrellas primarias se mantuvieron en el anonimato y eventualmente olvidads. Esto es cierto también para el piano, el cual probablemente fué el primer instrumento en el cual el género fué tocado.
4. A mediados de los 50, cuando el rock and roll era más popular, cada sello disquero tenía algunas "megaestrellas" que estaban tratando de promocionar y vender. RCA tenía a Elvis, Decca tenía a Bill Haley y Buddy Holly, Capitol tenía a Gene Vincent, etc. Definitivemente no era el mejor interés de las disqueras el promocionar o vender los éxitos viejos, para evitar que esto le quitara el momentum a su "producto", que eran sus artistas nuevos. Así, por ejemplo, a pesar de que RCA estaba sentada sobre una mina de oro con los rockeros anteriores tales como Piano Red y Big Boy Crudup, su atención estaba dirigida hacia la promoción de Elvis.
Era también obvio, que no estaba dentro de su mejor interés el promocionar o mencionar la música de sus primeros artistas en los sellos independientes y más pequeños, los cuales no tenían los recursos para competir con ellos. De esa manera los artistas de R&B del periodo entre 1949 al 1953, desaparecieron en el olvido. Los jóvenes de mediados de los 50 vieron a estos como viejos cantantes de blues cuyos discos no valía la pena escuchar. El único artista popular de R&B del periodo entre 1949-53 que logró llegar a la corriente principal del rock and roll después del 1954 fué Fats Domino, quien tenía éxitos tan atrás en el tiempo como el 1949 [Little Richard tuvo producciones tan viejas como el año 1951 pero no eran tan vendidos y escuchados además de que él vino a ser verdaderamente famoso cuando el éxito Tutti Frutti en 1956. Chuck Berry era muy popular en San Louis durante la era Hoy Hoy, pero nunca grabó antes del 1955 cuando se hizo famoso con el éxito de ventas Maybelline. Ike Turner fué muy exitoso también en el R&B durante la era del Hoy Hoy, con éxitos que regresaban al 1951, pero sus discos siempre fueron promovidos a la audiencia negra del R&B, así que usualmente no es mencionado en los libros de rock and roll escritos por blancos, un desafortunado y grave desatino de su parte].
5. En 1954, el nombre "rock and roll" fué comunmente aplicado a esta música, que ahora era mercadeada a adolescentes jóvenes, quienes se identificaban con ese nuevo "motivo". Había muy poco incentivo para estos jóvenes fanáticos para que escucharan otra música anterior con cualquier otro nombre. El nombre común para la música anterior era R&B, y la connotación racial que este nombre conllevaba, alejaba a la mayoría de los fanáticos del rock and roll de explorar producciones anteriores, a pesar de que la música era la misma. Por otro lado, estos discos eran dirigidos a un público adulto, y los jovencitos simplemente no estaban listos para ellos. Las excepciones a esta regla lo fueron los pocos artistas negros que, de alguna forma fueron promocionados como estrellas de rock and roll, en vez de R&B. Estos fueron Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, y las bandas vocales. Los artistas negros que fueron promocionados como R&B no vendieron gran cosa entre los adolescentes blancos. Por ejemplo, Ike Turner había vendido discos de rock and roll desde 1951, pero su nombre nunca se menciona en los libros sobre las "raíces de rock", simplemente porque sus discos fueron promocionados como R&B. La música, aún así era la misma. Ike Turner tiene su propia página en. .
El término "rock and roll" fué originalmente un término náutico utilizado por los marineros durante cientos de años. El término se refiere a los movimientos "rock" (movimiento hacia adelante y hacia atrás) y "roll" (movimiento de un lado a otro) de una embarcación. El término entró en la música "gospel" (evangélica) negra hace mucho tiempo atrás, pero con un significado totalmente diferente y fué utilizado como tal por primera vez en una grabación 1912, en una antigua grabación gospel negra llamada "The Camp Meeting Jubilee" (El Júbilo de la Reunión Campestre) en el sello disquero "Little Wonder Records". El artista era mencionado sólo como un "Cuarteto Masculino".
Keep on rockin' an' roll me in yo' arms,
Rock an' roll me in yo' arms,
Rock an' roll me in yo' arms,
In the arms of Moses,
Habiendo determinado la procedencia del término, hablaremos de dónde viene el género musical rock and roll. Antes del 1947, las únicas personas que hablaban mucho de "rocking" eran los cantantes negros de gospel. Ellos estaban "meciendo" (rocking) sus almas en el seno o regazo de Abraham y cantando "Rock me Jesus," (Estreméceme Jesús) y "Rock me in the cradle of Thy love" (Méceme en la cuna de Tu amor), "Rock me Lord," y "Rock Daniel," etc. La música secular negra bailable para ese entonces era el boogie woogie y no el rock, como muchos pensaban. Luego, en 1947, Roy Brown hizo un blues llamado "Good Rocking Tonight" (Buen "Movimiento" esta Noche) que era una parodia del gospel, sólo que en vez de rockeando al Señor, él presentaba a cristianos conocidos como Deacon Jones y Elder Brown haciendo otro tipo de "rocking" (movimiento). El disco vendió, pero la versión de Brown no era una "rockeada" en lo absoluto, era tan sólo un estilito de balada suave.
Luego viene Wynonie Harris. El tomó el chistecito de Brown, acerca de estos cristianos "rockeando", y le cambió el ritmo a ritmo gospel, también en 1947 (el disco salió al mercado a principios de 1948). La diferencia entre las versiones de Wynonie Harris y la de Brown es la medida en el ritmo gospel de rockear en el 2ndo y 4to tiempo de una medida 4/4, como se puede escuchar en el rockeo en aplausos de Wynonie, como había sido en el contratiempo de la música gospel music por décadas.
El, sin embargo, no fué el primero en cantar blues con un ritmo gospel, dado que otros tales como Big Joe Turner estuvo haciendo durante años . Y Brown tampoco fué el primero en utilizar el término "rocking" para sexo, dado que se había estado haciendo al menos desde los años 1920. Sólo que fué el disco de Harris el que comenzó con la "moda" de rocking en el blues y R&B a finales de los 1940. Luego del disco de Harris, hubo una oleada masiva de canciones de tipo rocking blues, y cada cantante negro tenía un disco de rocking blues en el mercado para 1949 o 1950 (había una prohibición en el mercado disquero para el 1948, así que muchas de las producciones que salieron a principios del 1949 fueron grabadas en el 48, muchas de ellas siendo grabadas durante la prohibición). Fué esta, una moda que barrió y cambió el R&B para siempre. "Rockear" era lo que estaba "in", boogie woogie estaba "fuera de onda", y entra 1948 y 1951 la mayoría de los artistas de R&B competían y se retaban en rockeos unos contra otros. Esta nueva música tenía un ritmo verdaderamente poderoso.
Dado que la música ya había llegado, había que ponerle un nuevo nombre, era lo único que le faltaba. R&B era un término demasiado amplio, porque era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Todo lo demás era considerado R&B, independientemente de su verdadero estilo musical. Podía haber sido una balada, un estilo de "jump blues", cantantes melodiosos como los "Ink Spots", blues gritados (shouters), o cualquier otra cosa, lo que fuera, después que fuera de negros era clasificado como R&B. Esta música, sin embargo, era nueva y revolucionaria y por lo tanto necesitaba un nuevo nombre, así que los "disc jockeys", "dirigidos" por el Dj de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarle rock n' roll. Esto ocurrió en el 1951, y muchos animadores radiales, tales como Waxie Maxie en Washington, DC, Hunter Hancock en Los Angeles y Porky Chedwick en Pittsburgh siguieron la moda. Ya surgida la música y con el nuevo nombre de rock and roll ahora oficial, lo demás es historia. Olvidemos, pues, los "mitos" que se escuchan acerca de 1954, Sun Records, Elvis, Sam Phillips, etc. Esa es la historia del rockabilly, pero el rock and roll como tal ya estaba aquí, con nombre, grabado y con radiodifusión mucho antes que ellos.
En 1952 y '53, el rock and roll se estaba caractrizando mayormente con baladas románticas suaves, tocadas por bandas de jóvenes adolescentes con nombres de aves, tales como The Crows (Los Cuervos), Ravens (Cuervos), Orioles, Cardinals, etc., usualmente el lado contrario de estos discos eran "números" bailables movidos, los cuales eran llamados rockers. En varias partes de E.U., la gente les iba añadiendo sus respectivos "sabores" regionales al estilo. En las ciudades del norte, los italianos y Puerto Riqueños tocaban rock and roll a su estilo. En la Costa Oeste, los Chicanos la tocaban en español. En el sur, los cantantes de country le añadían el rock and roll a sus estilos hillbilly, y ahí nació el rockabilly, del cual Elvis si era el primer y máximo exponente. Los Cajuns en Louisiana le añadieron rock and roll a su música y así nació el zydeco. Al otro lado del charco, en Inglaterra, los Británicos añadieron rock and roll a su música, y nació el skiffle. Todo esto sucedió a principios de los años 50 y fué echado todo en el gigantesco ollón donde se mezcló para dar por resultado a lo que hoy conocemos como rock and roll.
Con el repentino surgir en 1954 de la audiencia Internacional que el rock and roll recivió, quedó grabada en la mente de la mayoría de las personas que el rock and roll definitivamente había nacido en ese año. La mayoría de las personas, por no decir todas, nunca tuvieron conocimiento de los rockers originales conocidos como la época del "hoy hoy" entre 1947-1953. Esa es la verdadera razón por la que estamos aquí.
Cuando leemos la mayoría de los libros acerca del origen del rock and roll, ellos describen una explosión que pegó alrededor del 1954. De repente, Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y muchos otros andaban tocando un perfectamente desarrollado rock and roll, como si el mismo hubiese salido de la nada. Algunos decriben un mágico momento en un estudio de grabaciones, con músicos vacilando durante un descanso de una grabación mientras tocaban un "Jam" improvisado, y de alguna manera inventando accidentalmente un tipo de música. Los más sobrios autores dicen, aunque también por error, que era una mezcla de música campestre y R&B (una descrición sumamente acertada de lo que era el "rockabilly", pero que no era la verdader forma original del rock and roll). Cuando estos libros describen las raíces del rock and roll, ellos usualmente comienzan con el blues de los años 1930 o antes, artistas tales como Robert Johnson y Charley Patton, y hacen luego referencias a los artistas blues de Chicago de los 1940's, tales como Howling Wolf y Muddy Waters, y entonces brincan hasta los mismos 1954, pasando por alto completamente el fuerte rockeo del R&B basado grandemente en el uso del Saxofón del periodo comprendido entre 1949 y 1953. He aquí muchas de las razones que explican este fenómeno:
1. En la radio a finales de los 40 y comienzos de los 50, el R&B era un tabú, sin embargo, hubo algunos animadores radiales que se atrevieron a a romper las reglas y las tocaban de todos modos. El primer R&B escuchado en la radio en la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fué al final del 1952, y aún entonces, era ecuchado después de la media noche. Algunas de las grandes ciudades tenían programas de R&B antes de eso, pero en general, no había prácticamente nada de R&B en la radio en los días de comienzos de la década. Sin la radio, el único lugar en donde R&B era ampliamente conocido era en las comunidades negras antes de 1952, pero para entonces, la música había cambiado y el R&B era básicamente adjudicado a los grupos vocales conocidos como los "doo wop", populares entre los júvenes, lo que quiere decir que las etapas tempranas de R&B nunca vinieron a ser ampliamente conocidas.
2. Para el tiempo en que el R&B verdaderamente comenzó a ser escuchado ampliamente en las estaciones de radio, los discos en formato de 78 RPM ya habían sido recientemente remplazados por los nuevos discos en formato de 45 RPM. Casi todas las estaciones de radio habían comprado todos sus discos nuevos en el nuevo formato y botado todos los viejos 78 RPM, dado que estos eran pesados y, en general, poco prácticos y se rompían o rayaban con facilidad. Desafortunadamente todos los primeros R&B habían sido grabados en estos 78 RPM, así que cuando el R&B comenzó a escucharse en la radio, estos 78 RPM ya estaban en el zafacón. Más tarde, cuando los "golden oldies" (recuerdos dorados) sonaban en la radio, se referían a viejos 45, dado que los 78 ya habían sido descartados hacía tiempo. De ese modo la época Hoy Hoy de 78 RPM nunca tuvo suficiente y verdadera difución en la radio.
A esto se le suma la historia de las velloneras. En 1950 y 1951, la mayoría de las velloneras habían sido actualizadas a 45 RPM mientras que la mayoría de las producciones de R&B seguían siendo producidas en 78 RPM. De esta manera la época de los R&B "Hoy Hoy" había caído en la trampa mortal de ser las últimas producciones producidas en un formato cuyo destino era la desaparición permanente, y toda esta música se le perdió al nuevo mundo de los oyentes de los 45 RPM. (Esta historia es en cierta medida igual para el género de música campesina conocida como hillbilly o "country" music).
3. Cuando el rock and roll estuvo completamente establecido, luego de la llegada del rockabilly, y aún más con la invasión Británica de comienzos de los años 60, este se convirtió en un estilo basado en la guitarra, y estos guitaristas naturalmente se inspiraron en los precursores de esta música. De esa manera, Eric Clapton aprendería de los discos de B. B. King, Keith Richards escucharía los discos de Muddy Waters, etc., y eventualmente se asociaría a estos artistas como sus inspiraciones. Para este entonces, las disqueras se interesaron en "re-producir" las cosas viejas, en la medida que tuvieran guitarristas pricipales (leads) en sus formatos. Pero el R&B antes del 1953 era basado en saxofón, con muy poca o ninguna guitarra en lo absoluto. Dado que el sax fué virtualmente eliminado del rock and roll después de aproximadamente el 1956, la mayoría de las estrellas primarias se mantuvieron en el anonimato y eventualmente olvidads. Esto es cierto también para el piano, el cual probablemente fué el primer instrumento en el cual el género fué tocado.
4. A mediados de los 50, cuando el rock and roll era más popular, cada sello disquero tenía algunas "megaestrellas" que estaban tratando de promocionar y vender. RCA tenía a Elvis, Decca tenía a Bill Haley y Buddy Holly, Capitol tenía a Gene Vincent, etc. Definitivemente no era el mejor interés de las disqueras el promocionar o vender los éxitos viejos, para evitar que esto le quitara el momentum a su "producto", que eran sus artistas nuevos. Así, por ejemplo, a pesar de que RCA estaba sentada sobre una mina de oro con los rockeros anteriores tales como Piano Red y Big Boy Crudup, su atención estaba dirigida hacia la promoción de Elvis.
Era también obvio, que no estaba dentro de su mejor interés el promocionar o mencionar la música de sus primeros artistas en los sellos independientes y más pequeños, los cuales no tenían los recursos para competir con ellos. De esa manera los artistas de R&B del periodo entre 1949 al 1953, desaparecieron en el olvido. Los jóvenes de mediados de los 50 vieron a estos como viejos cantantes de blues cuyos discos no valía la pena escuchar. El único artista popular de R&B del periodo entre 1949-53 que logró llegar a la corriente principal del rock and roll después del 1954 fué Fats Domino, quien tenía éxitos tan atrás en el tiempo como el 1949 [Little Richard tuvo producciones tan viejas como el año 1951 pero no eran tan vendidos y escuchados además de que él vino a ser verdaderamente famoso cuando el éxito Tutti Frutti en 1956. Chuck Berry era muy popular en San Louis durante la era Hoy Hoy, pero nunca grabó antes del 1955 cuando se hizo famoso con el éxito de ventas Maybelline. Ike Turner fué muy exitoso también en el R&B durante la era del Hoy Hoy, con éxitos que regresaban al 1951, pero sus discos siempre fueron promovidos a la audiencia negra del R&B, así que usualmente no es mencionado en los libros de rock and roll escritos por blancos, un desafortunado y grave desatino de su parte].
5. En 1954, el nombre "rock and roll" fué comunmente aplicado a esta música, que ahora era mercadeada a adolescentes jóvenes, quienes se identificaban con ese nuevo "motivo". Había muy poco incentivo para estos jóvenes fanáticos para que escucharan otra música anterior con cualquier otro nombre. El nombre común para la música anterior era R&B, y la connotación racial que este nombre conllevaba, alejaba a la mayoría de los fanáticos del rock and roll de explorar producciones anteriores, a pesar de que la música era la misma. Por otro lado, estos discos eran dirigidos a un público adulto, y los jovencitos simplemente no estaban listos para ellos. Las excepciones a esta regla lo fueron los pocos artistas negros que, de alguna forma fueron promocionados como estrellas de rock and roll, en vez de R&B. Estos fueron Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, y las bandas vocales. Los artistas negros que fueron promocionados como R&B no vendieron gran cosa entre los adolescentes blancos. Por ejemplo, Ike Turner había vendido discos de rock and roll desde 1951, pero su nombre nunca se menciona en los libros sobre las "raíces de rock", simplemente porque sus discos fueron promocionados como R&B. La música, aún así era la misma. Ike Turner tiene su propia página en. .
Historia y orígenes del término y la tergiversación de su significado
El término "rock and roll" fué originalmente un término náutico utilizado por los marineros durante cientos de años. El término se refiere a los movimientos "rock" (movimiento hacia adelante y hacia atrás) y "roll" (movimiento de un lado a otro) de una embarcación. El término entró en la música "gospel" (evangélica) negra hace mucho tiempo atrás, pero con un significado totalmente diferente y fué utilizado como tal por primera vez en una grabación 1912, en una antigua grabación gospel negra llamada "The Camp Meeting Jubilee" (El Júbilo de la Reunión Campestre) en el sello disquero "Little Wonder Records". El artista era mencionado sólo como un "Cuarteto Masculino".
Keep on rockin' an' roll me in yo' arms,
Rock an' roll me in yo' arms,
Rock an' roll me in yo' arms,
In the arms of Moses,
Habiendo determinado la procedencia del término, hablaremos de dónde viene el género musical rock and roll. Antes del 1947, las únicas personas que hablaban mucho de "rocking" eran los cantantes negros de gospel. Ellos estaban "meciendo" (rocking) sus almas en el seno o regazo de Abraham y cantando "Rock me Jesus," (Estreméceme Jesús) y "Rock me in the cradle of Thy love" (Méceme en la cuna de Tu amor), "Rock me Lord," y "Rock Daniel," etc. La música secular negra bailable para ese entonces era el boogie woogie y no el rock, como muchos pensaban. Luego, en 1947, Roy Brown hizo un blues llamado "Good Rocking Tonight" (Buen "Movimiento" esta Noche) que era una parodia del gospel, sólo que en vez de rockeando al Señor, él presentaba a cristianos conocidos como Deacon Jones y Elder Brown haciendo otro tipo de "rocking" (movimiento). El disco vendió, pero la versión de Brown no era una "rockeada" en lo absoluto, era tan sólo un estilito de balada suave.
Luego viene Wynonie Harris. El tomó el chistecito de Brown, acerca de estos cristianos "rockeando", y le cambió el ritmo a ritmo gospel, también en 1947 (el disco salió al mercado a principios de 1948). La diferencia entre las versiones de Wynonie Harris y la de Brown es la medida en el ritmo gospel de rockear en el 2ndo y 4to tiempo de una medida 4/4, como se puede escuchar en el rockeo en aplausos de Wynonie, como había sido en el contratiempo de la música gospel music por décadas.
El, sin embargo, no fué el primero en cantar blues con un ritmo gospel, dado que otros tales como Big Joe Turner estuvo haciendo durante años . Y Brown tampoco fué el primero en utilizar el término "rocking" para sexo, dado que se había estado haciendo al menos desde los años 1920. Sólo que fué el disco de Harris el que comenzó con la "moda" de rocking en el blues y R&B a finales de los 1940. Luego del disco de Harris, hubo una oleada masiva de canciones de tipo rocking blues, y cada cantante negro tenía un disco de rocking blues en el mercado para 1949 o 1950 (había una prohibición en el mercado disquero para el 1948, así que muchas de las producciones que salieron a principios del 1949 fueron grabadas en el 48, muchas de ellas siendo grabadas durante la prohibición). Fué esta, una moda que barrió y cambió el R&B para siempre. "Rockear" era lo que estaba "in", boogie woogie estaba "fuera de onda", y entra 1948 y 1951 la mayoría de los artistas de R&B competían y se retaban en rockeos unos contra otros. Esta nueva música tenía un ritmo verdaderamente poderoso.
Dado que la música ya había llegado, había que ponerle un nuevo nombre, era lo único que le faltaba. R&B era un término demasiado amplio, porque era una categoría que incluía todas las formas de música negra excepto el jazz y el gospel. Todo lo demás era considerado R&B, independientemente de su verdadero estilo musical. Podía haber sido una balada, un estilo de "jump blues", cantantes melodiosos como los "Ink Spots", blues gritados (shouters), o cualquier otra cosa, lo que fuera, después que fuera de negros era clasificado como R&B. Esta música, sin embargo, era nueva y revolucionaria y por lo tanto necesitaba un nuevo nombre, así que los "disc jockeys", "dirigidos" por el Dj de Cleveland llamado Alan Freed, comenzaron a llamarle rock n' roll. Esto ocurrió en el 1951, y muchos animadores radiales, tales como Waxie Maxie en Washington, DC, Hunter Hancock en Los Angeles y Porky Chedwick en Pittsburgh siguieron la moda. Ya surgida la música y con el nuevo nombre de rock and roll ahora oficial, lo demás es historia. Olvidemos, pues, los "mitos" que se escuchan acerca de 1954, Sun Records, Elvis, Sam Phillips, etc. Esa es la historia del rockabilly, pero el rock and roll como tal ya estaba aquí, con nombre, grabado y con radiodifusión mucho antes que ellos.
En 1952 y '53, el rock and roll se estaba caractrizando mayormente con baladas románticas suaves, tocadas por bandas de jóvenes adolescentes con nombres de aves, tales como The Crows (Los Cuervos), Ravens (Cuervos), Orioles, Cardinals, etc., usualmente el lado contrario de estos discos eran "números" bailables movidos, los cuales eran llamados rockers. En varias partes de E.U., la gente les iba añadiendo sus respectivos "sabores" regionales al estilo. En las ciudades del norte, los italianos y Puerto Riqueños tocaban rock and roll a su estilo. En la Costa Oeste, los Chicanos la tocaban en español. En el sur, los cantantes de country le añadían el rock and roll a sus estilos hillbilly, y ahí nació el rockabilly, del cual Elvis si era el primer y máximo exponente. Los Cajuns en Louisiana le añadieron rock and roll a su música y así nació el zydeco. Al otro lado del charco, en Inglaterra, los Británicos añadieron rock and roll a su música, y nació el skiffle. Todo esto sucedió a principios de los años 50 y fué echado todo en el gigantesco ollón donde se mezcló para dar por resultado a lo que hoy conocemos como rock and roll.
Con el repentino surgir en 1954 de la audiencia Internacional que el rock and roll recivió, quedó grabada en la mente de la mayoría de las personas que el rock and roll definitivamente había nacido en ese año. La mayoría de las personas, por no decir todas, nunca tuvieron conocimiento de los rockers originales conocidos como la época del "hoy hoy" entre 1947-1953. Esa es la verdadera razón por la que estamos aquí.
Cuando leemos la mayoría de los libros acerca del origen del rock and roll, ellos describen una explosión que pegó alrededor del 1954. De repente, Elvis, Bill Haley, Chuck Berry, Little Richard y muchos otros andaban tocando un perfectamente desarrollado rock and roll, como si el mismo hubiese salido de la nada. Algunos decriben un mágico momento en un estudio de grabaciones, con músicos vacilando durante un descanso de una grabación mientras tocaban un "Jam" improvisado, y de alguna manera inventando accidentalmente un tipo de música. Los más sobrios autores dicen, aunque también por error, que era una mezcla de música campestre y R&B (una descrición sumamente acertada de lo que era el "rockabilly", pero que no era la verdader forma original del rock and roll). Cuando estos libros describen las raíces del rock and roll, ellos usualmente comienzan con el blues de los años 1930 o antes, artistas tales como Robert Johnson y Charley Patton, y hacen luego referencias a los artistas blues de Chicago de los 1940's, tales como Howling Wolf y Muddy Waters, y entonces brincan hasta los mismos 1954, pasando por alto completamente el fuerte rockeo del R&B basado grandemente en el uso del Saxofón del periodo comprendido entre 1949 y 1953. He aquí muchas de las razones que explican este fenómeno:
1. En la radio a finales de los 40 y comienzos de los 50, el R&B era un tabú, sin embargo, hubo algunos animadores radiales que se atrevieron a a romper las reglas y las tocaban de todos modos. El primer R&B escuchado en la radio en la ciudad de Nueva York, por ejemplo, fué al final del 1952, y aún entonces, era ecuchado después de la media noche. Algunas de las grandes ciudades tenían programas de R&B antes de eso, pero en general, no había prácticamente nada de R&B en la radio en los días de comienzos de la década. Sin la radio, el único lugar en donde R&B era ampliamente conocido era en las comunidades negras antes de 1952, pero para entonces, la música había cambiado y el R&B era básicamente adjudicado a los grupos vocales conocidos como los "doo wop", populares entre los júvenes, lo que quiere decir que las etapas tempranas de R&B nunca vinieron a ser ampliamente conocidas.
2. Para el tiempo en que el R&B verdaderamente comenzó a ser escuchado ampliamente en las estaciones de radio, los discos en formato de 78 RPM ya habían sido recientemente remplazados por los nuevos discos en formato de 45 RPM. Casi todas las estaciones de radio habían comprado todos sus discos nuevos en el nuevo formato y botado todos los viejos 78 RPM, dado que estos eran pesados y, en general, poco prácticos y se rompían o rayaban con facilidad. Desafortunadamente todos los primeros R&B habían sido grabados en estos 78 RPM, así que cuando el R&B comenzó a escucharse en la radio, estos 78 RPM ya estaban en el zafacón. Más tarde, cuando los "golden oldies" (recuerdos dorados) sonaban en la radio, se referían a viejos 45, dado que los 78 ya habían sido descartados hacía tiempo. De ese modo la época Hoy Hoy de 78 RPM nunca tuvo suficiente y verdadera difución en la radio.
A esto se le suma la historia de las velloneras. En 1950 y 1951, la mayoría de las velloneras habían sido actualizadas a 45 RPM mientras que la mayoría de las producciones de R&B seguían siendo producidas en 78 RPM. De esta manera la época de los R&B "Hoy Hoy" había caído en la trampa mortal de ser las últimas producciones producidas en un formato cuyo destino era la desaparición permanente, y toda esta música se le perdió al nuevo mundo de los oyentes de los 45 RPM. (Esta historia es en cierta medida igual para el género de música campesina conocida como hillbilly o "country" music).
3. Cuando el rock and roll estuvo completamente establecido, luego de la llegada del rockabilly, y aún más con la invasión Británica de comienzos de los años 60, este se convirtió en un estilo basado en la guitarra, y estos guitaristas naturalmente se inspiraron en los precursores de esta música. De esa manera, Eric Clapton aprendería de los discos de B. B. King, Keith Richards escucharía los discos de Muddy Waters, etc., y eventualmente se asociaría a estos artistas como sus inspiraciones. Para este entonces, las disqueras se interesaron en "re-producir" las cosas viejas, en la medida que tuvieran guitarristas pricipales (leads) en sus formatos. Pero el R&B antes del 1953 era basado en saxofón, con muy poca o ninguna guitarra en lo absoluto. Dado que el sax fué virtualmente eliminado del rock and roll después de aproximadamente el 1956, la mayoría de las estrellas primarias se mantuvieron en el anonimato y eventualmente olvidads. Esto es cierto también para el piano, el cual probablemente fué el primer instrumento en el cual el género fué tocado.
4. A mediados de los 50, cuando el rock and roll era más popular, cada sello disquero tenía algunas "megaestrellas" que estaban tratando de promocionar y vender. RCA tenía a Elvis, Decca tenía a Bill Haley y Buddy Holly, Capitol tenía a Gene Vincent, etc. Definitivemente no era el mejor interés de las disqueras el promocionar o vender los éxitos viejos, para evitar que esto le quitara el momentum a su "producto", que eran sus artistas nuevos. Así, por ejemplo, a pesar de que RCA estaba sentada sobre una mina de oro con los rockeros anteriores tales como Piano Red y Big Boy Crudup, su atención estaba dirigida hacia la promoción de Elvis.
Era también obvio, que no estaba dentro de su mejor interés el promocionar o mencionar la música de sus primeros artistas en los sellos independientes y más pequeños, los cuales no tenían los recursos para competir con ellos. De esa manera los artistas de R&B del periodo entre 1949 al 1953, desaparecieron en el olvido. Los jóvenes de mediados de los 50 vieron a estos como viejos cantantes de blues cuyos discos no valía la pena escuchar. El único artista popular de R&B del periodo entre 1949-53 que logró llegar a la corriente principal del rock and roll después del 1954 fué Fats Domino, quien tenía éxitos tan atrás en el tiempo como el 1949 [Little Richard tuvo producciones tan viejas como el año 1951 pero no eran tan vendidos y escuchados además de que él vino a ser verdaderamente famoso cuando el éxito Tutti Frutti en 1956. Chuck Berry era muy popular en San Louis durante la era Hoy Hoy, pero nunca grabó antes del 1955 cuando se hizo famoso con el éxito de ventas Maybelline. Ike Turner fué muy exitoso también en el R&B durante la era del Hoy Hoy, con éxitos que regresaban al 1951, pero sus discos siempre fueron promovidos a la audiencia negra del R&B, así que usualmente no es mencionado en los libros de rock and roll escritos por blancos, un desafortunado y grave desatino de su parte].
5. En 1954, el nombre "rock and roll" fué comunmente aplicado a esta música, que ahora era mercadeada a adolescentes jóvenes, quienes se identificaban con ese nuevo "motivo". Había muy poco incentivo para estos jóvenes fanáticos para que escucharan otra música anterior con cualquier otro nombre. El nombre común para la música anterior era R&B, y la connotación racial que este nombre conllevaba, alejaba a la mayoría de los fanáticos del rock and roll de explorar producciones anteriores, a pesar de que la música era la misma. Por otro lado, estos discos eran dirigidos a un público adulto, y los jovencitos simplemente no estaban listos para ellos. Las excepciones a esta regla lo fueron los pocos artistas negros que, de alguna forma fueron promocionados como estrellas de rock and roll, en vez de R&B. Estos fueron Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, y las bandas vocales. Los artistas negros que fueron promocionados como R&B no vendieron gran cosa entre los adolescentes blancos. Por ejemplo, Ike Turner había vendido discos de rock and roll desde 1951, pero su nombre nunca se menciona en los libros sobre las "raíces de rock", simplemente porque sus discos fueron promocionados como R&B. La música, aún así era la misma. Ike Turner tiene su propia página en. .
HISTORIA DEL TECNO
El tecno es la música rave "original", de sonido muy electrónico e industrial y ritmos agresivos y jadeantes. El estilo se originó en el ámbito de la vanguardia de Detroit a principios de los ochenta. Los productores Derrick May y Juan Atkins fueron dos protagonistas clave en la popularización de este estilo en todo el mundo. En Europa, el sonido tuvo una gran acogida, mientras que en los Estados Unidos quedó olvidado por un tiempo. El tecno está empezando a recuperar su fama en los Estados Unidos gracias a las enormes fiestas rave, y a artistas pop como Madonna y Lenny Kravitz que han usado este sonido en sus canciones
El productor Juan Atkins ha sido catalogado como el responsable tras las ideas, conceptos y sonidos que dieron vida a la música tecno. Cuando todavía era un adolescente en Detroit a principios de los ochenta, Atkins dice que se frustraba de no poder vender su sonido electrónico. Junto con algunos amigos decidió entonces abrir su propia casa discográfica, Metroplex. Su primer álbum No UFO's fue el primer álbum de música tecno; tremendamente influenciado por los efectos especiales al estilo de naves espaciales que fascinaban a Atkins.
Atkins se asoció más adelante con Derrick May y con Kevin Saunderson para crear una de las alianzas más cruciales en la historia del tecno. Juntos crearon el primer hit internacional de la música tecno "Big Fun" y "Good Life".
Jeanette Romeu
Jeanette Romeu es en estos momentos la artista tecno más original y ecléctica. Es parte de la quinta generación de la legendaria familia Romeu, de músicos, compositores y directores de orquesta de origen cubano. Romeu, conocida como Galaxy Girl, está colaborando con los legendarios productores Thomas Dowd y Geoge Acosta en su nuevo álbum Transatlantic Love. El dúo ha producido discos para gente como Aretha Franklin, Rod Stewart y Eric Clapton.
El productor Juan Atkins ha sido catalogado como el responsable tras las ideas, conceptos y sonidos que dieron vida a la música tecno. Cuando todavía era un adolescente en Detroit a principios de los ochenta, Atkins dice que se frustraba de no poder vender su sonido electrónico. Junto con algunos amigos decidió entonces abrir su propia casa discográfica, Metroplex. Su primer álbum No UFO's fue el primer álbum de música tecno; tremendamente influenciado por los efectos especiales al estilo de naves espaciales que fascinaban a Atkins.
Atkins se asoció más adelante con Derrick May y con Kevin Saunderson para crear una de las alianzas más cruciales en la historia del tecno. Juntos crearon el primer hit internacional de la música tecno "Big Fun" y "Good Life".
Jeanette Romeu
Jeanette Romeu es en estos momentos la artista tecno más original y ecléctica. Es parte de la quinta generación de la legendaria familia Romeu, de músicos, compositores y directores de orquesta de origen cubano. Romeu, conocida como Galaxy Girl, está colaborando con los legendarios productores Thomas Dowd y Geoge Acosta en su nuevo álbum Transatlantic Love. El dúo ha producido discos para gente como Aretha Franklin, Rod Stewart y Eric Clapton.
HISTORIA DEL DANCE
La música dance nace gracias a la evolución del sonido negro americano el Rhythm & Blues y el Soul. Uno de los artistas que contribuyó al desarrollo del "dance" fue sin duda James Brown. Películas corno "Fiebre del Sábado noche" o "Por fin es Viernes" nos mostraron por primera vez una discoteca o una cabina de disc-jockey. A finales de los años 70 la Psicodelia y el Funky se adueñaron de las pistas de baile. Artistas como Earth, Wind & Fire; The Jacksons; Donna Summer y muchos otros llenaban las discotecas de todo el mundo con su música. Por otra parte, desde Alemania, cuatro universitarios llamados Kraftwerk creaban las bases de lo que sería el sonido Techno, llegando incluso a fabricarse sus propios instrumentos. A principios de los 80, gracias a la labor de gente como Sugarhill Gang y Afrika Bambaataa, el Rap se convirtió en estandarte de la juventud. El fenómeno del Breakdance fue sin duda lo que propició la fusión entre el Rap y los sintetizadores, creando así un sonido más comercial que se podía "pinchar" en cualquier sesión. Paralelamente a este hecho, productores como Bobby O' y Patrick Cowley transformaron el sonido Disco en High Energy, acelerando así el ritmo de la música de baile. Por su parte, los músicos que tomaron el camino de Kraftwerk crearon un sonido llamado Techno Pop. Este nuevo estilo combinaba las letras románticas con el sintetizador y el resultado fue muy positivo. Formaciones como Yazzo o Depeche Mode se convirtieron en ídolos para la juventud, gracias al buen hacer de uno de los mejores músicos de los 80, Vince Clarke.
En 1983 desde Italia se creo un nuevo estilo: el Italo-Disco, también conocido como Spaghetti. Las bases de esta nueva creación fueron el High Energy y el Techno Pop. Durante cuatro años el Spaghetti llenó las pistas de países como Alemania, Holanda o España. Dos de los artistas más importantes dentro del Italo-Disco son Ryan París, que con su "Dolce Vita" vendió en España 500.000 copias y Den Harrow, que se mantuvo durante varios anos como máximo exponente de este estilo. En Estados Unidos Madonna se convirtió en "Reina del Pop", haciendo extensivo su éxito al resto del planeta. Sus canciones eran una mezcla de música Disco y Pop. Precisamente esa fue la línea que siguieron muchos artistas en aquella época, aunque otros, como Michael Jackson, preferían mezclar el Funky con el Pop.
Por lo que respecta al Reino Unido las producciones Techno Pop de Erasure, Depeche Mode o Eurythmics, alcanzaron las cotas más altas en las listas de éxitos, y lógicamente el resto del planeta también bailó sus discos.
En 1986 el sonido Spaghetti dejó de ser el centro de atención para los discjockey's Europeos. Desde Estados Unidos en primer lugar, y desde Gran Bretaña más directamente, Europa sucumbió bajo el poder del House. Este nuevo estilo tenía sus raíces en el sonido Disco y tomó su nombre en Chicago.El House se convirtió en el primer estilo musical que reflejaba al dj como centro de atención. Las sesiones de Frankie Knuckles que combinaban el sonido electrónico con el ritmo Disco y la calidad vocal del Soul, fueron el punto de partida para la consolidación del House.
Contrariamente a lo que se cree el House no tomó su nombre debido a que era música "hecha en casa" por d.j.'s. El verdadero motivo fue que Frankie Knuckles, el responsable de este estilo pinchaba en un local llamado The Warehouse.
Gracias a la labor de Ralphi Rosario (Rey del House Latino); Mike "Hitman" Wilson y Marshall Jefferson entre otros, la "fiebre housera" se extendió al Reino Unido, donde artistas como Bomb the Bass; M.a.r.r.s. y muchos otros, transportaron el nuevo estilo al resto del continente con la típica etiqueta de "N0 1 en U.K.". Desde Estados Unidos Todd Terry se convirtió en "dios del House" con impresionantes producciones y remezclas. Una vez consolidado, el House empezó a evolucionar a finales dejos 80 desembocando en nuevos estilos como el Hip House de D.J. Fast Eddie; el Italo-House de Black Box o el Flamenco-House de Raúl Orellana, aunque la creación del Acid-House fue la más revolucionaria. El disco "Acid Trax" de Phuture inició la nueva era para el sonido House. La repercusión del nuevo estilo fue tal que incluso se creó la moda Acid. El logotipo del "Smiley" y el pañuelo en la cabeza eran dos de los símbolos más claros de los "Add-men". Uno de los temas más representativos del estilo fue "We call it acieeed" de D-Mob. Este disco, que incluía uno de los gritos más "sampleados" por los productores de la época, estuvo prohibido durante unos meses en las emisoras del Reino Unido.
A nivel comercial hay que destacar la labor de los británicos Stock, Aitken & Waterman, sus producciones para Rick Astley; Kylie Minogue y otros artistas, fueron número uno en medio mundo y marcaron la pauta de la música comercial.
Por otro lado, gente como Nitzer Ebb fusionó el Techno Pop con el Hard Rock, creando así el Sonido Industrial. Este estilo tomó su nombre porqué los instrumentos que se utilizaban en los temas tenían un sonido metálico y muy contundente, como si se estuviese golpeando con un martillo en una fábrica. La moda Acid se extinguió muy rápidamente, en tan solo un año. Ibiza, la isla innovadora por excelencia, acogió al New Beat como sonido de moda. Este estilo tenía sus raíces en el Sonido Industrial, pero conservaba parte de la esencia Acid. Dos de las características más importantes del New Beat eran la denominación de origen. Principalmente llegaba desde Bélgica, y la velocidad rítmica de tos temas que era bastante lenta. Junto a "Sound of C", de Confetti´s, el tema de Amnesia, "Ibiza", se convirtió en el disco por excelencia de 1989, el año del New Beat.
Si la moda Acid duró poco, la del New Beat aún duró menos. Grupos como Confetti´s se volvieron más comerciales y el mercado británico no había acogido demasiado bien este estilo. La comercialidad de temas como "Don't miss the partyline" de Bizz Nizz; "1 can't stand it" de Twenty 4 Seven y los éxitos de Technotronic imperaban en las pistas de baile a principios de los 90.
El nuevo sonido comercial europeo recibió el lógico nombre de Euro-Beat. El bombardeo de producciones era constante, Ice M.C. desde Italia, M.C. Sar & The Real Mc Coy desde Alemania, etc. Mientras estos artistas vendían miles de discos, grupos como Front 242 apostaban por el Sonido Industrial y se convertían en ídolos para el público que aborrecía la música comercial. El radicalismo y el culto al Techno Pop de Krafwerk crearon un nuevo estilo que en España se denominó Máquina. El resto del mundo continuó llamando Techno esta fusión entre el New Beat, el Techno Pop y el Sonido Industrial.
De nuevo los dj.'s se convirtieron en productores y crearon su propia música. Gente como Interactive; LA. Style; Quadrophonia; y muchos otros, llevaron la Máquina a lo más alto de las listas de "dance". En nuestro país, Valencia se convirtió en "Capital del Bakalao", llevando la iniciativa musical con artistas como Megabeat o Chimo Bayo, que incluso editaron sus producciones en el extranjero y tuvieron gran éxito en países como Italia o Alemania. Por su parte el mercado británico continuaba evolucionando con artistas como K.L.F. y el House quedó reducido a los clubs gays, llegando a ser "rebautizado" como Underground.
Cuando la Máquina se consolidó, tal y como ocurrió con el House, comenzaron a surgir nuevos subgéneros. El Trance convirtió las discotecas en "templos mágicos" para evadirse totalmente, el Hardcore rozaba la distorsión y su velocidad rítmica era infernal. Dentro de Trance cabe destacar la labor de Jam & Spoon, aunque posteriormente realizaron temas comerciales como "Right in the night". Tampoco podemos olvidar a Bruno Sanchioni, el compositor de "The age of love", uno de los temas más "pinchados" en la historia del sonido Trance. Dentro del Hardcore destacan Charlie Lownoise & Mental Theo, junto al equipo de I D & T (Dano, The Prophet, Gizmo y Buzz Fuzz). El Hardcore más duro recibió el nombre de Gabber, el más comercial se denominó Happy Hardcore y el que tenía mucha percusión se llamó Jungle o Breakbeat, este último estilo tiene gran aceptación en lugares como Gran Bretaña. Dentro del Breakbeat hay que destacar a un grupo de la actualidad, The Prodigy, que arrasa en todo el mundo con sus temas y live acts.
La aportación musical más importante del Reino Unido a la actualidad es sin duda el rescate del House. Poco apoco el House o Underground volvió a acaparar la atención de los d.j.'s y productores, gracias a labor de Todd Terry (el dios); Celvin Rotane; Josh Wink y muchos otros. La evolución convirtió el Underground en Progressive House. Tal y como su nombre indica es música que progresivamente va cambiando. Los temas comienzan de una manera y acaban de otra. Empiezan tranquilos, se "frenan" o paran y posteriormente "suben" hasta un punto máximo que causa furor en la pista.
Hablando de la actualidad hemos de contemplar una gran variedad de producciones que funcionan y que pertenecen a diferentes estilos. En nuestro país podemos decir que según la zona funciona un estilo u otro. A pesar de esta variedad, cuando un disco destaca acaba siendo número uno en todo el país. A nivel de estilos, en España, existe una Máquina diferente a la del resto de Europa. Son discos creados por d.j.'s y productores con la única preocupación de que funcionen en nuestro país. Actualmente se baila igual el Eurobeat de Alexia, el House de Kadoc o la Máquina de Sistema 3. Simplemente hay que fijarse en la zona del país donde ese estilo tiene más aceptación. Por lo que respecta al resto de Europa, el House es casi siempre el estilo preferido por los d.j.'s, aunque países como Alemania, Italia y Holanda reclaman producciones de Máquina o Euro-Beat. Actualmente existe una "fiebre" por etiquetar la "Dance Music". Se habla de Hard House, Intelligent Techno y de muchas otras ramificaciones. Incluso se llega a dar el caso de que un artista ve como clasifican uno de sus temas dentro de un estilo que ni el mismo conoce. Como ocurre con muchas otras cosas en la vida, no hay que exagerar y desde luego tampoco se deben complicar las cosas de cara al publico.
En 1983 desde Italia se creo un nuevo estilo: el Italo-Disco, también conocido como Spaghetti. Las bases de esta nueva creación fueron el High Energy y el Techno Pop. Durante cuatro años el Spaghetti llenó las pistas de países como Alemania, Holanda o España. Dos de los artistas más importantes dentro del Italo-Disco son Ryan París, que con su "Dolce Vita" vendió en España 500.000 copias y Den Harrow, que se mantuvo durante varios anos como máximo exponente de este estilo. En Estados Unidos Madonna se convirtió en "Reina del Pop", haciendo extensivo su éxito al resto del planeta. Sus canciones eran una mezcla de música Disco y Pop. Precisamente esa fue la línea que siguieron muchos artistas en aquella época, aunque otros, como Michael Jackson, preferían mezclar el Funky con el Pop.
Por lo que respecta al Reino Unido las producciones Techno Pop de Erasure, Depeche Mode o Eurythmics, alcanzaron las cotas más altas en las listas de éxitos, y lógicamente el resto del planeta también bailó sus discos.
En 1986 el sonido Spaghetti dejó de ser el centro de atención para los discjockey's Europeos. Desde Estados Unidos en primer lugar, y desde Gran Bretaña más directamente, Europa sucumbió bajo el poder del House. Este nuevo estilo tenía sus raíces en el sonido Disco y tomó su nombre en Chicago.El House se convirtió en el primer estilo musical que reflejaba al dj como centro de atención. Las sesiones de Frankie Knuckles que combinaban el sonido electrónico con el ritmo Disco y la calidad vocal del Soul, fueron el punto de partida para la consolidación del House.
Contrariamente a lo que se cree el House no tomó su nombre debido a que era música "hecha en casa" por d.j.'s. El verdadero motivo fue que Frankie Knuckles, el responsable de este estilo pinchaba en un local llamado The Warehouse.
Gracias a la labor de Ralphi Rosario (Rey del House Latino); Mike "Hitman" Wilson y Marshall Jefferson entre otros, la "fiebre housera" se extendió al Reino Unido, donde artistas como Bomb the Bass; M.a.r.r.s. y muchos otros, transportaron el nuevo estilo al resto del continente con la típica etiqueta de "N0 1 en U.K.". Desde Estados Unidos Todd Terry se convirtió en "dios del House" con impresionantes producciones y remezclas. Una vez consolidado, el House empezó a evolucionar a finales dejos 80 desembocando en nuevos estilos como el Hip House de D.J. Fast Eddie; el Italo-House de Black Box o el Flamenco-House de Raúl Orellana, aunque la creación del Acid-House fue la más revolucionaria. El disco "Acid Trax" de Phuture inició la nueva era para el sonido House. La repercusión del nuevo estilo fue tal que incluso se creó la moda Acid. El logotipo del "Smiley" y el pañuelo en la cabeza eran dos de los símbolos más claros de los "Add-men". Uno de los temas más representativos del estilo fue "We call it acieeed" de D-Mob. Este disco, que incluía uno de los gritos más "sampleados" por los productores de la época, estuvo prohibido durante unos meses en las emisoras del Reino Unido.
A nivel comercial hay que destacar la labor de los británicos Stock, Aitken & Waterman, sus producciones para Rick Astley; Kylie Minogue y otros artistas, fueron número uno en medio mundo y marcaron la pauta de la música comercial.
Por otro lado, gente como Nitzer Ebb fusionó el Techno Pop con el Hard Rock, creando así el Sonido Industrial. Este estilo tomó su nombre porqué los instrumentos que se utilizaban en los temas tenían un sonido metálico y muy contundente, como si se estuviese golpeando con un martillo en una fábrica. La moda Acid se extinguió muy rápidamente, en tan solo un año. Ibiza, la isla innovadora por excelencia, acogió al New Beat como sonido de moda. Este estilo tenía sus raíces en el Sonido Industrial, pero conservaba parte de la esencia Acid. Dos de las características más importantes del New Beat eran la denominación de origen. Principalmente llegaba desde Bélgica, y la velocidad rítmica de tos temas que era bastante lenta. Junto a "Sound of C", de Confetti´s, el tema de Amnesia, "Ibiza", se convirtió en el disco por excelencia de 1989, el año del New Beat.
Si la moda Acid duró poco, la del New Beat aún duró menos. Grupos como Confetti´s se volvieron más comerciales y el mercado británico no había acogido demasiado bien este estilo. La comercialidad de temas como "Don't miss the partyline" de Bizz Nizz; "1 can't stand it" de Twenty 4 Seven y los éxitos de Technotronic imperaban en las pistas de baile a principios de los 90.
El nuevo sonido comercial europeo recibió el lógico nombre de Euro-Beat. El bombardeo de producciones era constante, Ice M.C. desde Italia, M.C. Sar & The Real Mc Coy desde Alemania, etc. Mientras estos artistas vendían miles de discos, grupos como Front 242 apostaban por el Sonido Industrial y se convertían en ídolos para el público que aborrecía la música comercial. El radicalismo y el culto al Techno Pop de Krafwerk crearon un nuevo estilo que en España se denominó Máquina. El resto del mundo continuó llamando Techno esta fusión entre el New Beat, el Techno Pop y el Sonido Industrial.
De nuevo los dj.'s se convirtieron en productores y crearon su propia música. Gente como Interactive; LA. Style; Quadrophonia; y muchos otros, llevaron la Máquina a lo más alto de las listas de "dance". En nuestro país, Valencia se convirtió en "Capital del Bakalao", llevando la iniciativa musical con artistas como Megabeat o Chimo Bayo, que incluso editaron sus producciones en el extranjero y tuvieron gran éxito en países como Italia o Alemania. Por su parte el mercado británico continuaba evolucionando con artistas como K.L.F. y el House quedó reducido a los clubs gays, llegando a ser "rebautizado" como Underground.
Cuando la Máquina se consolidó, tal y como ocurrió con el House, comenzaron a surgir nuevos subgéneros. El Trance convirtió las discotecas en "templos mágicos" para evadirse totalmente, el Hardcore rozaba la distorsión y su velocidad rítmica era infernal. Dentro de Trance cabe destacar la labor de Jam & Spoon, aunque posteriormente realizaron temas comerciales como "Right in the night". Tampoco podemos olvidar a Bruno Sanchioni, el compositor de "The age of love", uno de los temas más "pinchados" en la historia del sonido Trance. Dentro del Hardcore destacan Charlie Lownoise & Mental Theo, junto al equipo de I D & T (Dano, The Prophet, Gizmo y Buzz Fuzz). El Hardcore más duro recibió el nombre de Gabber, el más comercial se denominó Happy Hardcore y el que tenía mucha percusión se llamó Jungle o Breakbeat, este último estilo tiene gran aceptación en lugares como Gran Bretaña. Dentro del Breakbeat hay que destacar a un grupo de la actualidad, The Prodigy, que arrasa en todo el mundo con sus temas y live acts.
La aportación musical más importante del Reino Unido a la actualidad es sin duda el rescate del House. Poco apoco el House o Underground volvió a acaparar la atención de los d.j.'s y productores, gracias a labor de Todd Terry (el dios); Celvin Rotane; Josh Wink y muchos otros. La evolución convirtió el Underground en Progressive House. Tal y como su nombre indica es música que progresivamente va cambiando. Los temas comienzan de una manera y acaban de otra. Empiezan tranquilos, se "frenan" o paran y posteriormente "suben" hasta un punto máximo que causa furor en la pista.
Hablando de la actualidad hemos de contemplar una gran variedad de producciones que funcionan y que pertenecen a diferentes estilos. En nuestro país podemos decir que según la zona funciona un estilo u otro. A pesar de esta variedad, cuando un disco destaca acaba siendo número uno en todo el país. A nivel de estilos, en España, existe una Máquina diferente a la del resto de Europa. Son discos creados por d.j.'s y productores con la única preocupación de que funcionen en nuestro país. Actualmente se baila igual el Eurobeat de Alexia, el House de Kadoc o la Máquina de Sistema 3. Simplemente hay que fijarse en la zona del país donde ese estilo tiene más aceptación. Por lo que respecta al resto de Europa, el House es casi siempre el estilo preferido por los d.j.'s, aunque países como Alemania, Italia y Holanda reclaman producciones de Máquina o Euro-Beat. Actualmente existe una "fiebre" por etiquetar la "Dance Music". Se habla de Hard House, Intelligent Techno y de muchas otras ramificaciones. Incluso se llega a dar el caso de que un artista ve como clasifican uno de sus temas dentro de un estilo que ni el mismo conoce. Como ocurre con muchas otras cosas en la vida, no hay que exagerar y desde luego tampoco se deben complicar las cosas de cara al publico.
domingo, 11 de octubre de 2009
sábado, 10 de octubre de 2009
viernes, 9 de octubre de 2009
REMIX!!!!!!!!!!!!!!!!
Remix (anglicismo) en la música es una mezcla alternativa de una canción en un estudio de sonido, para darle un nuevo aspecto sonoro o mejorar la calidad de sonido, a veces con la incorporación de nuevos ritmos y efectos. Pero especialmente los remix son usualmente intencionados para transformar en bailables canciones que no lo son. La acción de crear un remix o remezcla es generalmente conocida como remixar, remixear o remezclar.
Hay varios tipos de remixes: Los que sólo son mezclas con otros sonidos, y los que llevan un verdadero trabajo, remodelando la canción totalmente.
El primer tipo es conocido como "mix", y es un proceso en el cual se utiliza una canción original, a la que se le añaden efectos o bases, ya sea para reforzar una parte de la canción, como los graves, extenderla, para su mejor enganche, o simplemente cambiar su base para que suene distinto.
El "Remix" propiamente dicho es aquel en que, debido a un proceso más arduo, se logra cambiar totalmente el aspecto de la canción en cuestión. Muchas veces, este proceso se ayuda con la adquisición de versiones "acapella" de la canción, así como también de versiones "instrumentales". (Una técnica mixta es la que se utiliza para el sonido dub jamaicano.)
En esta técnica, el proceso se vuelve más arduo, puesto que se debe añadir toda la batuta sonora, ya que sólo se tiene la voz, y, si bien se puede tener la parte instrumental, uno no debe caer en la acción de usarla totalmente, ya que en este caso sería casi lo mismo que la canción original. El instrumental es recomendable para extraer el sonido característico del tema (casi todas las canciones lo tienen), y usarlo. A su vez, se puede deformar ese sonido, para que, si bien suene distinto, dé indicios de qué tema se ha remixado antes de que comience la lírica.
Ahora, a falta de acapellas e instrumentales, si uno quiere hacer un buen remix, debe hacer pasar a la canción original por varios procesos. Uno de los principales es el ecualizado del mismo, para disminuir la acción de la batería, o de alguna otra frecuencia de la canción; todo depende de qué se quiera remixear y qué se quiere como resultado final.
Lo principal en todo esto es tener creatividad, ya que esto requiere mucho de ello. Además se necesita saber un poco de música porque al producir un remix o un mix es necesario saber sobre tiempos, acordes y melodías.
jueves, 8 de octubre de 2009
MUSICA!!!!!
Definición de la música
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función "estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.
Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor.
La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: "la música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo". Esta definición no se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones "bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.
Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como "música congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.
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